la bitácora de Vittorio

la felicidad es un viaje, no un destino

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    Origen del latín "Victor". Vencedor, victorioso. San Victor, oficial romano, fue precipitado al mar. Devuelto por las olas a la costa, cerca de Marsella, se le sepultó allí mismo. En el siglo IV se erigió un monasterio en aquel lugar. Durante mucho tiempo, este nombre, ya utilizado por los romanos, tuvo un sentido místico (la victoria de Cristo), y volvió a ponerse de moda tras la Revolución Francesa.
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François Boucher: El rapto de Europa (1747)

Posted by Arantxa en mayo 23, 2008

Probablemente este cuadro estaba destinado a alguna sala de Versalles o a algún palacio de recreo de los que Luis XV, rey de Francia, regalaba a su amante, la marquesa de Pompadour. El gusto de ésta se conoce como estilo Pompadour o rococó.

El cuadro se pintó para un concurso convocado en 1747 entre los pintores más famosos de Francia.
Boucher eligió un episodio de la mitología griega, una de las muchas aventuras amorosas de Zeus, el padre de los dioses.
Europa era la bella hija de Agenor, rey de Tiro. Un día, mientras la joven jugaba en la playa, Zeus la vio e intentó acercarse a ella. Para ello se transformó en un toro blanco y resplandeciente. Consiguió ganarse su confianza mediante su belleza y su dulzura. Europa se sentó en su lomo y sus compañeras le trajeron flores. Pero de repente, el dios dio un salto, raptó a la princesa y se la llevó a Creta por mar. Divinidades con cola de pez observan la escena, mientras que un grupo de putti desnudos agitan el velo y la antorcha de boda.

Producto de la unión entre Europa y Zeus nacieron tres hijos: Minos, Sarpedón y Radamantis. Al cabo del tiempo Zeus se lanzó a nuevas conquistas y casó a Europa con el rey de Creta que, como no tenía hijos, adoptó a los de Europa.
De los tres hijos el más famoso es Minos, de cuya familia nacerá posteriormente el peligroso Minotauro, monstruo con cabeza de toro y cuerpo humano.
Tras su muerte, Europa recibió honores divinos como premio por haberle dado tres hijos a Zeus. El toro, cuya forma había adoptado Zeus, se transformó en la constelación que hoy se conoce como Tauro y fue incluido entre los signos del zodíaco.

El rapto de Europa ha sido representado por muchos pintores, como por ejemplo Tiziano, Giordano, Albani, etc.


Si nos fijamos en el toro (Zeus camuflado), se muestra dócil y atado con una cinta de seda azul, con los cuernos pulimentados y las pezuñas juntas, en actitud devota. Pero fijaros en su lengua que se relame lascivamente, con lo que revela sus verdaderas intenciones.

El mito de Europa gozaba de un cierto prestigio desde la década de 1720. Sirvió de inspiración para numerosas representaciones artísticas: óperas, teatro, ballet, etc. Esta moda se prolongó hasta la década de 1770, cuando se compuso en Milán una ópera firmada por Antonio Salieri, el eterno rival de Mozart.

Sobre las modelos para Europa se han llegado a decir muchas cosas, entre ellas que ese cuerpo esbelto, seductor, con los pechos pequeños y altos, cabeza adornada y aspecto vivo corresponde a Madame Pompadour, sin embargo, hay otras hipótesis que barajan la posibilidad de que fuera Marie-Jeanne Buseau, esposa de Boucher.

Sobre los putti: a pesar de ser seres infantiles y andróginos, aportan la nota sensual a la escena de seducción, junto con la lasciva lengua del toro. En tiempos de Boucher, había una gran demanda de cuadros con aventuras eróticas, que se pusieron de moda bajo el calificativo de “mitología galante”. Boucher brilló en este género y lo colmaron de encargos, sobre todo después de que Madame Pompadour se convirtiera en la amante real del rey.
Sus putti, no son nada reales, están bien alimentados, felices y danzando libremente, no tienen nada que ver con los bebés del siglo XVIII. Si no acababan en el orfanato se les enviaba al campo con una nodriza de pago y morían a montones como consecuencia de la falta de cuidados y la mala alimentación.

Boucher fue recompensado con cargos influyentes y llegó a cobrar entre 4.000 y 6.000 libras (pensad que el jornal de un artesano apenas alcanzaba una libra) pero los tiempos se pusieron difíciles cuando estalló la guerra de los Siete Años y pronto estallaron los primeros disturbios populares. Era la época de la Ilustración: los valores ciudadanos como la virtud, la moral y la lealtad desplazaron a la frivolidad. El filósofo Diderot definió a Boucher como “el enemigo mortal del equilibrio, que nunca ha conocido la verdad”.
Con estas palabras Diderot proclamó el clasicismo que impusieron pintores como Jacques-Louis David.

Boucher sobrevivió al rococó y cuando murió, en 1770, ya era un pintor prácticamente olvidado.
La obra se encuentra en París, en el Museo del Louvre.

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Gustav Klimt: El beso (1907/08)

Posted by Arantxa en marzo 10, 2008

¿Quién no ha visto en numerosas ocasiones esta imagen? ya sea en láminas, pósters, impresiones, etc. Yo, por ejemplo, conocí este cuadro a través de la película “Elegir un Amor”, protagonizada por Julia Roberts. Sea como sea, la cuestión es que “El beso” de Gustav Klimt continua fascinando después de 100 años de su creación.

La Viena de Gustav Klimt –la Belle Epoque de fin de siglo- se enclava en una de las más fascinantes épocas de la Historia del arte y de la cultura. La burguesía como clase social dominante –temida por su afición a la pompa, sus suntuosos banquetes, su enfermiza adicción al placer- actúa como un catalizador en este florecimiento cultural.
De este “laboratorio” brota también el arte de Klimt. El espectador se siente cautivado por la voluptuosidad del dibujo, el trazado caleidoscópico de los trabajos, la belleza del ornamento y el gusto por descifrar los secretos de los cuadros. Pero la mayor fascinación la ejerce el tema central de Klimt: la belleza de las mujeres.

El erotismo era un tema obsesivo de la época: Freud es incapaz de contemplar un objeto sin interpretarlo como túrgido, y no puede ver una apertura sin tematizar la penetración. Incluso Adolf Loos relaciona, en su arte antiornamental reducido a ortogonales, las líneas horizontales con la mujer y las verticales con el hombre.
En el mundo de Klimt aparecen constantemente polen y pistilos, semen y óvulos en los cuerpos, en las vestimentas e incluso en la naturaleza. Todo este derroche de erotismo se ve enfrentado con la Viena decadente, marcada por la hipócrita represión victoriana y por tanto con el rechazo hacia sus obras. Es por este motivo que Klimt ornamenta sus obras y camufla el verdadero significado con miles y miles de detalles.

Por ejemplo, para conservar las apariencias viste a las mujeres que no puede pintar desnudas con opulentos atuendos que cubren su desnudez y, sin embargo, llaman la atención sobre esa desnudez oculta. Muchos de los detalles distraen la atención sobre el auténtico mensaje: peinados ondeantes, estilizadas flores, decoración geométrica, sombreros extravagantes, enormes manguitos de piel. Pero son estos añadidos los que refuerzan la irradiación erótica de las mujeres, los que ponen el erotismo en escena.
En los últimos cuadros son curvas y espirales, composiciones piramidales, torbellinos místicos, cúmulos de colores chillones los que inundan las composiciones. Así, mediante la diversidad de la decoración entorno a la retratada, surgen un mundo propio que nos secuestra en los misterios del inconsciente y en los laberintos del espíritu.

El beso” de Klimt ha sido comparado, no sin un deje de ironía, a la Mona Lisa, pues ambos cuadros ejercen, en la complejidad del significado, una fascinación similar. Hay quien ve en este cuadro una evolución de la obra de Klimt, en base a que ahora puede pintar una unión donde hasta entonces había tematizado, sobre todo, la lucha de los sexos. Otros, por el contrario, opinan que Klimt no ha cambiado su forma de ver el mundo y que también en esta obra describe, de un modo más sutil, la imposibilidad de la satisfacción, consecuencia de las tensiones entre el hombre y la mujer.
Estas formas ornamentales cuadradas para el hombre y circulares para la mujer, ¿significan complementación o antagonismo?
¿No parecen guardar una cierta distancia estas dos personas, a pesar del abrazo, como si no existiera relación alguna entre ellas?
Esta vez es claramente el hombre quien domina y toma la iniciativa del beso. La mujer parece soportarlo con resignación, pero sus manos se contraen convulsivamente, los dedos de sus pies arañan la roca: ¿placer o ira? Klimt conoce a fondo la relación ambigua entre las eternamente figuras de Adán y Eva, pues se ha representado a sí mismo con Adán y tiene en sus brazos a Emilie Flöge, su amante.

En cualquier caso, los mantos envolventes restan fuerza a la directa representación sexual. Con virtuosos acordes de colores, Klimt se acerca a los iluministas del imperio ostroromano. El oro rodea a la pareja con un aura, y el valioso material presta también al cuadro la apariencia de un impresionante tesoro. Todos estos trucos transforman el tema tabú, que es el beso, en una versión que no sólo escapa a la crítica, sino que además conquista el entusiasmo del público y la aceptación de la burguesía puritana.

La jugada de Klimt fue tan buena, que su contribución al arte europeo moderno es por fin reconocida. Aún antes del cierre de la muestra de arte de 1908, en la que estaba expuesto el beso, es comprado el cuadro por el estado austriaco.

Actualmente el óleo se encuentra en el Österreichische Galerie de Viena.

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Umberto Giordano (1867-1948): Andrea Chénier y la Mamma Morta

Posted by Arantxa en febrero 17, 2008

Resulta muy complicado explicaros una ópera sin extenderme demasiado. Trataré de explicaros en este post uno de lo arias más bellos y emotivos que he escuchado.

La ópera de Umberto Giordano se estrenó en la Scala de Milán en 1896. El argumento está basado en la vida de André Marie Chénier, un personaje real aunque la historia no lo sea ya que está adaptada a la dramatización tan característica de la escena musical.

Existen tres personajes principales: Andrea Chénier, Maddalena de Coigny (hija de la condesa de Coigny) y Carlo Gérard (mayordomo de la condesa y líder revolucionario).

Acto I: Estamos en la época previa a la Revolución Francesa. Chénier y Maddalena se conocen en casa de ésta, donde es invitado como joven promesa de las letras y es ridiculizado por su temperamento introvertido. Chénier, encolerizado y dolido, improvisa un poema lleno de patriotismo revolucionario y profunda crítica a la clase alta.
Por otro lado, Gérard (el mayordomo), aprovecha la ocasión para enfrentarse a su patrona y marcharse de su casa, sin descubrir su mayor secreto: que estaba profundamente enamorado de Maddalena.

Acto II: Han trascurrido cinco años y nos encontramos en plena Revolución Francesa encabezada por Robespierre y Jean-Paul Marat.
Chénier se siente vigilado y sólo le queda la esperanza de encontrar el anhelado amor supremo. Lleva un tiempo recibiendo cartas anónimas de una mujer que le ruega su ayuda y cree que el destino le ha predestinado a esa mujer como su gran amor. Ésta resulta ser Maddalena de Coigny, quién perdió todas las posesiones que tenía a raíz de las persecuciones de Robespierre y es buscada por su origen noble.
Tienen la posibilidad de encontrarse y Chénier aprovecha para confesarle su amor, desde el primer día que la vio, al igual que ella, prometiéndose amor eterno aunque la muerte los amenace.
Los amantes son interrumpidos por Gérard, que se ha convertido en un importante líder del régimen. Éste ha buscado afanosamente a Maddalena porque no puede vivir sin ella.
Chénier y Gérard se enzarzan en una pelea y Maddalena huye con Roucher (amigo de Chénier).
Gérard es herido y Chénier encarcelado.

Acto III: Chénier ha sido detenido y Gérard aprovecha la detención para acusarlo y así poder estar más cerca de Maddalena. Son los celos y el apasionamiento lo que provocan esta decisión.
Gérard, por tanto, firma el acta de acusación y es en ese momento en que llega Maddalena y se inicia un dúo en el que Gérard recuerda, cómo en el pasado estaba enamorado de ella desde que era pequeña. La narración de él se queda reducida a la nada ante el relato de Maddalena y es aquí donde se inicia el aria que os comentaba, la Mamma Morta: al inicio se observa una primera parte narrativa con un tono abatido – la muerte de su madre, el incendio de su casa y su soledad. Y una segunda parte conmovedora que alcanza brillantes momentos, destacando el final – “Ah, io son l´amore, io son l´amore, l´amore!”. Sus palabras cambian el tono amenazador de Gérard, que siente que ha cometido una gran injusticia y que está dispuesto a tratar de salvarlo ya que es difícil librarlo de las garras del tribunal.
Gerard trata de interceder por Chénier en el tribunal, apelando a los falsos cargos con que lo acusara, pero el tribunal sediento de sangre y venganza, condena al poeta a muerte.
Maddalena ante el inminente final, pide a Gérard morir con su amado, reemplazando a una joven condenada. Nada consigue librar del macabro fin a los jóvenes amantes, quienes se unen en un heroico final para enfrentar juntos la muerte terrenal de su amor, pero no la trascendental. Baja el telón mientras ellos salen del calabozo, camino de la guillotina.

Os dejo con un fragmento de la película Philadelphia, donde Tom Hanks narra la escena donde aparece el aria de la Mamma Morta.

Espero que os guste.

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Haruki Murakami: Tokio Blues (1987)

Posted by Arantxa en febrero 17, 2008

Retomo la sección de literatura después de haber estado mucho tiempo sin actualizarla.

No sé si a vosotros os pasará igual pero a mí personalmente me cuesta mucho que una novela me marque. Suelo leer una media de 3-4 libros mensuales, muchas de ellas me gustan pero con el paso del tiempo me acabo olvidando de sus detalles, por eso puedo contar con los dedos de la mano las que tienen un significado especial para mí.

Por eso quería hablaros de Haruki Murakami y su novela Tokio Blues, siendo su nombre original Norwegian Wood (bosque noruego) título de una canción de los Beatles.

Sobre el autor: Nacido en Kioto en 1949, Haruki Murakami es hijo único de un matrimonio de profesores de Literatura japonesa. Sus años de estudiante se caracterizaron por su activismo en contra de la guerra del Vietnam y por la nueva izquierda. Tras licenciarse en 1973 en Teatro Clásico, Murakami regentó durante ocho años un jazz-bar en Tokio, al mismo tiempo que iniciaba su carrera literaria. Ha sido galardonado con el premio literario Yomiuri.

Sinopsis: Creía amarla, pero el pasado era un recordatorio palmario y perpetuo de sus carencias mutuas, y el presente, apenas un pozo en el que tirar recuerdos y sueños y mirar cómo caían hacia el fondo, lenta pero inexorablemente. Ella, Naoko, había sido la novia de su mejor amigo, Kizuki, hasta que éste se suicidó; y él, Watanabe, se arrastró desde entonces hacia un territorio a medio camino entre el deseo y la inercia. Allí se habían encontrado, en el campo abierto de la locura y la verdad desnuda, con una aceptación impuesta y a ratos desesperada, esquivando los miedos y deslizándose de puntillas sobre su amor, hasta que Naoko fue internada en un centro de reposo, en un intento por preservar los últimos lazos que la unían a la realidad.

Para Watanabe, a partir de entonces los días discurrirán entre su vida universitaria en Tokio, a la que nunca dejará de sentirse ajeno, sus lecturas y el ritmo regular y constante de sus pensamientos, empecinados en recrear sin descanso los acontecimientos mas nimios, los personajes más accidentales. Y las cartas de Naoko, escasas y exiguas, no logran rescatarlo de su soledad, el verbo fácil y transparente de Midori, caída como del cielo en el campo de acción de su fuerza gravitatoria, se convertirá en el espejo donde la realidad empiece por fin a adquirir consistencia.

La novela de Murakami gira en torno a la difícil adaptación al mundo de los afectos y las emociones de varios jóvenes que viven sus primeros años universitarios. A medida que avanza la lectura descubrimos un Watanabe más maduro, con una serenidad o peculiar equilibrio que lo aleja de la imagen de joven rebelde y asocial.

La pasión del escritor por la música aflora a lo largo de toda la novela: clásica (Mozart, Brahms), rock and roll (Beatles, Rolling Stones, The Doors), y jazz (Miles Davis, John Coltrane, Tonny Bennett, Thelonious Monk).

Os animo a iniciar esta lectura, seguro que no os dejará indiferentes.

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Jacques-Louis David: La muerte de Marat, 1793

Posted by Arantxa en febrero 4, 2008

Una muchacha provinciana, Charlotte Corday, había asesinado al diputado Jean-Paul Marat que se estaba bañando para buscar alivio a la enfermedad cutánea que padecía. En ese momento estaba corrigiendo las pruebas de su periódico. Era la tarde del 13 de julio de 1793.

Marat era uno de los revolucionarios más populares. Adorado por los pobres a los que defendía en su periódico: “L´Ami du Peuple” (El amigo del pueblo), era odiado por los realistas.

Jacques-Louis David, el artista de este cuadro, no era sólo pintor, sino también organizador de las fiestas revolucionarias. Estas fiestas servían como instrumentos propagandísticos. El estilo de David no sólo estaba marcado por el Renacimiento, sino también por la Antigüedad Romana. David tenía predilección por los temas antiguos ya antes de la Revolución. Por aquel entonces la Antigüedad se había puesto de moda y se manifestaba también en la ropa, pero David recurrió a ella de una forma más recurrente. Era un maestro en el gusto sublime, tenía preferencia por los grandes formatos, mostraba gestos elocuentes y suprimía todo lo accesorio.

Todo lo que Jacques-Louis David había experimentado con los temas antiguos, lo aplicó en 1793 a la representación de un acontecimiento de actualidad, la muerte del diputado Marat. A partir de un asesinato perpetrado en condiciones poco “gloriosas”, en una bañera, concibió un cuadro excepcional tanto por su calidad artística como por su efecto propagandístico.

Si hablamos de Marat, el protagonista del cuadro, nos centramos en su lucha contra los realistas y los revolucionarios burgueses, así que se buscaba enemigos por todas partes. El resultado fue que el periódico se prohibió muchas veces y él mismo fue perseguido. Marat huía, volvía de nuevo y se escondía en los sótanos.

Su muerte violenta convirtió al criticado revolucionario en un héroe del pueblo. David le presta un rostro dulce, nada se aprecia de la pasión del demagogo. El pintor quiere “presentar los rasgos sublimes del heroísmo y la virtud”.

Cuando Marat fue asesinado, era un hombre enfermo. Tenía constantemente fiebre y se sentía atormentado por una erupción de la piel. El agua le aliviaba un poco de los picores, con lo que se pasaba el tiempo entre la cama y la bañera y llevaba la cabeza envuelta con paños empapados en vinagre.

David tenía que idealizar ese desecho humano para que el espectador pudiera admirarlo. Omitió todas las imperfecciones de la piel y dispuso el cuerpo en un espacio imaginario. En realidad, la bañera se encontraba delante de una pared decorada con un papel pintado de columnas. Nada de todo esto aparece en la obra de David. Dejó el plano de fondo -casi la mitad del cuadro- en la oscuridad, aludiendo no sólo a la austeridad, sino que además coloca al personaje en un espacio indefinido que se puede interpretar como la eternidad. El efecto es comparable a los fondos dorados de los cuadros medievales.

Si hacemos referencia a los objetos que aparecen en la obra destacar la carta y el billete delante del tintero. La carta dice: “Entregue este billete a la madre de cinco hijos, cuyo marido ha muerto por defender la patria”. Como se pudo comprobar estos dos objetos son una invención de David que se sirve de ellos para mostrar a Marat como un amigo del pueblo.

La caja de madera en lugar de una mesa y el paño remendado a la izquierda subrayan la nobleza del bienhechor, así como la pose que elige David para Marat que evoca la imagen que durante siglos se empleó para representar a Cristo tras el descendimiento de la cruz: brazo colgando, la cabeza inclinada, sostenida únicamente por el hombro y los paños blancos.

David no quiso hacer referencia a la asesina, la única alusión es el cuchillo tirado en el suelo y la carta que tiene Marat en la mano que dice: “El 13 de julio de 1793. Marie-Anne Charlotte Corday al ciudadano Marat. Es suficiente que me sienta tan desdichada para tener derecho a vuestra benevolencia”. Marat nunca recibió esta carta, pero al detener a Charlotte encontraron en su poder una carta igual pero sin la palabra “benevolencia”.

Si os fijáis en la caja encontraréis una bree dedicatoria según el modelo romano: “A Marat, David”, su nombre en letras un poco más pequeñas que las del héroe muerto. Como fecha anotó “El año dos” según el nuevo calendario revolucionario.

Al cabo de los años, David se convirtió en un maestro de la acomodación e incluso glorificó también al nuevo dictador, el emperador Napoleón. Cuando éste fue definitivamente vencido en 1814, David decidió emigrar a Bruselas. Se llevó al exilio el cuadro de Marat que había sido retirado de la Convención en 1795. Actualmente el cuadro permanece en el Museo Royaux de Bruselas.

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Amy Winehouse: “Back to Black “

Posted by Arantxa en noviembre 24, 2007

Muchos de vosotros habréis oído hablar de ella en numerosos medios de comunicación haciendo referencia a sus problemas de adicción, alcoholismo, bulimia, anorexia, etc, etc.

No podemos negar que Amy es una chica verdaderamente conflictiva, pero su voz te eleva al mismo cielo o infierno, según se mire. Como éste es un apartado de críticas musicales, vamos a hablar de su disco que es de lo mejor que se ha publicado este año.

Amy nació en septiembre de 1983, procede de una familia judía y con tradición musical en el jazz. Creció escuchando distintos tipos de música, desde Salt n´Pepa a Sarah Vaughan. Esta influencia de la música negra quedó plasmada en su voz grave que rasga el alma.

En 2003 presentó su albúm debut, Frank, que fue nominado a los Premios Mercury Music y ganó un Ivor Novello Award en 2004 por su single “Stronger than Me”. En 2006 sacó su segundo disco “Back to Black”. Por este disco ha recibido numerosos premios, entre ellos ha alcanzado el platino en EEUU y como broche de oro ha alcanzado tres nominaciones a los MTV Video Music Awards 2007.

El disco Back to Black posee tanta fuerza no sólo por la voz de Amy. La producción de Mark Ronson y la categoría de sus músicos resulta impresionante, basta con escuchar la trompeta de Dave Guy, el saxo tenor de Neal Sugarman y el resto de la banda para darnos cuenta que ella es un elemento más del grupo. Han logrado que el álbum suene como un clásico de soul y no como un disco antiguo.

Las letras de este disco son generalmente de amor, pero de un amor de bella suciedad que se presenta de muchas formas a lo largo del disco. En el tema central del disco, “back to black” nos sitúa en una escena trágica de lecho llena de abandonos amargos, donde la decadencia llega a resultar adictiva y hermosa.

En “Just Friend” y en “You know I´m no good” el sexo y la culpa son protagonistas. En “Me and Mr Jones” las escenas de dramatismo se relajan para llegar a temas como “Tears dry on their own” o “He can only hold her” donde se aprecia un cierto optimismo, donde el amor pasa a ser un apoyo mutuo. Y en “Rehab”, hay una nota de humor, donde cuenta sus dudas sobre si debería ingresar en una clínica de desintoxicación, después de que una ruptura sentimental hace dos años la empujara por la pendiente del alcohol.

Resulta sorprendente como Amy ha sabido alcanzar la madurez como intérprete y en cambio, en su vida privada se comporta como una maniaco depresiva, con tendencia a drogarse y emborracharse a la menor ocasión. Esperemos que sepa aprovechar su carrera profesional y supere sus múltiples adicciones. Aunque si os digo la verdad me importa muy poco, mientras sea capaz de permanecer dos horas en un escenario y grabar un buen disco me conformo.

Si queréis saber qué pasa por su cabeza, os reseño una entrevista publicada en El Mundo el pasado mes de septiembre.

Esperemos que sea capaz de publicar otro disco y no se quede en el camino.

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Johannes Vermeer y la Joven de la Perla

Posted by Arantxa en noviembre 1, 2007

Iniciamos con Vermeer una nueva sección dedicada a la pintura. Os mostraré aquellos cuadros que son conocidos por todos, no tanto por su significado sino por la notoriedad de éstos.

Hablaremos de imágenes que aparecen en todas partes, en infinidad de láminas, de noticias y de referencias como puede ser “El beso” de Gustav Klimt o el que trataremos hoy, “La joven de la perla” que adquirió importancia por la novela de Tracy Chevalier y la posterior película protagonizada por Scarlett Johansson.

Antes de centrarnos en el cuadro, debemos conocer al autor. Johannes Vermeer ( Delft 1632-1675) era un pintor holandés, considerado uno de los más importantes de la edad de oro de la pintura holandesa. Su obra es escasa, ya que la pintura no era su principal fuente de ingresos. Se especializó en escenas interiores cotidianas de la vida doméstica burguesa. No fue nunca especialmente rico, quizá debido al escaso número de pinturas que producía y debido en parte al hecho de tener que mantener once hijos.

Si por algo destaca Veermer es por el uso y el tratamiento de la luz. Habitualmente, ha representado mujeres jóvenes integradas en un contexto narrativo, no obstante, existen tres lienzos que dan la impresión de ser retratos.

La muchacha con el pendiente de perla “ (1665)

Fijaros detenidamente: sobre un fondo neutral, oscuro, con tendencia al negro, la muchacha de perfil mira hacia el espectador. La boca está ligeramente abierta, un signo de que la persona habla al espectador, superando así el límite del cuadro. La cabeza está ligeramente inclinada, despertando la sensación de que la muchacha está perdida en pensamientos soñadores; y, sin embargo, fija la mirada atenta en el espectador. Viste una chaqueta marrón amarillenta contra la que destaca el luminoso blanco del cuello de la blusa. El siguiente contraste lo tenemos en el turbante azul, de cuyo extremo cae, a modo de velo, un paño amarillo limón sobre los hombros. El tocado de la muchacha resulta exótico. Los turbantes en Europa ejercían una gran fascinación ya en el siglo XV.

En el cuadro de Vermeer destaca especialmente la gran perla en forma de gota que cuelga de la oreja de la muchacha. Según el místico Francisco de Sales: “Pienso que esta joya significa en sentido espiritual que la oreja es la primera parte que un hombre quiere tener de su mujer y que la mujer debe conservar más fielmente”. Así pues, está bien claro que la perla constituye un símbolo de castidad y por tanto alude a la posibilidad de que el cuadro pudo haber sido pintado con motivo de la boda de esta joven.

Me gustaría comentar, en relación a la película del director Peter Webber y la novela de Tracy Chevalier que existen muchos detalles irreales e inventados sobre la biografía de Vermeer, sobretodo la identidad de la joven retratada que, vendría a ser, supuestamente, una de sus hijas.

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Bodega Sepúlveda: El tapeo clásico de Barcelona

Posted by Arantxa en octubre 31, 2007

Dedicamos la recomendación gastronómica de este mes a la “bodega”, un espacio típicamente mediterráneo en el que existe la libertad de poder comer según el ritual de tapas y cazuelas.

Existe un lugar muy especial denominado Bodega Sepúlveda, regentado por la familia Solá desde 1954. Es de aquellos lugares en los que nunca prestarías atención. Como su nombre indica, está ubicado en la calle Sepúlveda, 173. Un viejo cartel de coca-cola en la puerta nos avisa que estamos en el lugar correcto y para asegurarnos sólo hay que fijarse en el expositor de cazuelas donde encontraremos desde cap i pota, habas catalanas, tortilla de bacalao al ajo arriero, atún picante, anchoas de Orio, patatas gratinadas con queso y anchoas, croquetas de queso, arroz con setas, secreto ibérico, gambas al ajillo,etc. Así hasta llegar a más de 80 opciones, a cual más apetitosa.

Si de verdad queremos disfrutar de esta bodega lo mejor es pedir información a la familia Solá y ver lo que comen nuestros vecinos, no sea que nos perdamos el foie, elaborado con una base de cebolla confitada y una reducción de Oporto o una perdiz a la vinagreta. El vino lo podemos encontrar a un precio asequible y lo podemos acompañar de un queso de cabrales. Finalmente, recomiendo como postre la naranja con dos chocolates y helado de vainilla, todo ello regado con licor Gran Marnier.

El espacio de este lugar, contribuye a crear una imagen de bodega que todos los habitantes de esta banda del mediterráneo tenemos en la memoria del placer y del gusto.

Bon profit.

Calle Sepúlveda, 173 bis. Barcelona

Tlf: 93.454.70.94 (Cierra los domingos)

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Miguel Poveda “Desglaç”

Posted by Arantxa en septiembre 26, 2007

Hacía tiempo que quería recomendar este disco.

Para aquellos que no sepáis quién es Miguel Poveda os diré que es un cantaor de flamenco nacido en Badalona en el año 1973. Resultaba curioso, que siendo catalán, sin raíces andaluzas y payo, tuviera ese talento y el carisma suficiente para subirse encima de un escenario y emocionar a los más sabedores en este arte.

Muchos son los proyectos que ha desarrollado desde los 14 años que comenzó su carrera profesional, aunque he decidido centrarme en uno de sus discos que para mí resulta especial por la particularidad del mismo.

El 20 de noviembre de 2.005, Miguel Poveda presentaba en el Auditori de Barcelona su disco Desglaç. Los más puristas se pusieron las manos en la cabeza al escucharlo. Producido por Taller de Músics de Barcelona y Discmedi, Poveda recoge una selección de poemas en lengua catalana con aires flamencos.

Esta idea surgió con motivo del centenario de la muerte de Verdaguer, ya que le pidieron que cantara algún texto del poeta catalán, tema que recoge el disco
A mos bescantadors“. A partir de entonces desde el Taller de Músics de Barcelona, le animaron a hacer un disco en catalán, y ahí se inició la nueva aventura.

Lo más complicado de este trabajo, fue la elección de los poemas, tres años de dedicación y aprendizaje para descubrir lo que encerraban aquellos poemas. Miguel pretendía que los textos fueran lo fundamental del disco: “La música había de estar al servicio de la poesía y no al revés”..

Finalmente, encontró la inspiración en poemas de Verdaguer, Maria Mercè Marçal, Gabriel Ferrater, Brossa, Valentí Gómez, Casasses, Comadira, Margarit, Piera, Barceló y Sebastià Alzamora.

Desglaç no es exclusivamente un disco de flamenco. Hay aires de jazz, de bolero, de tango, orientales y otros ritmos. Podremos escuchar la guitarra de Chicuelo, el bandoneón de Marcelo Mercadante, el piano de Amargós, la armónica de Antonio Serrano y la voz de Moncho acompañándole a ritmo bolero jazzístico y rumbero en “No et veuré mes” o la de Miguel Gil cantando en “Boca seca“.

La música no entiende de fronteras ni de esencialismos y el arte de Miguel Poveda es capaz de despuntar por encima de tópicos.

Os dejo con la letra de “Final”, un poema de Joan Brossa que dedicó a “Sa Excremència” veinticinco años antes, exactamente el 20 de Noviembre de 1975.

-Havies d’haver fet una altra fi;
et mereixies, hipòcrita, un mur aun altre clos.
La teva dictadura,la teva puta vida d’assassí,
quin incendi de sang! Podrit botxí,
prou t’havia d’haver estovat la dura
fosca dels pobles, donat a tortura,
penjat d’un arbre al fons d’algun camí.
Rata de la més mala delinqüència,
t’esqueia una altra mort amb violència,
la fi de tants des d’aquell juliol.
Però l’has feta de tirà espanyol,
sol i hivernat, gargall de la ciència
i amb tuf de sang i merda.
Sa Excremència!
-Glòria del bunyol,
ha mort el dictador més vell d’Europa.
Una abraçada, amor, i alcem la copa!

20 de novembre de 1975

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John Mayer: Continuum

Posted by Arantxa en junio 25, 2007

Descubrí a este artista por casualidad. Estaba escuchando la banda sonora de Anatomía de Grey, donde esta incluida la balada “Gravity”, tema que aparece en el último álbum de John Mayer.

John Clayton Mayer es un cantante, compositor y guitarrista americano ganador de varios Grammy Award. Nació en Atlanta en 1977. Comenzó cantando canciones pop de gran sensibilidad acústica y se movió desde entonces hacia el soul y el blues, sin perder su capacidad para las melodías y las letras inteligentes.

Podría hablar de sus trabajos anteriores, pero prefiero centrarme en su último álbum, Continuum que fue lanzado en septiembre de 2.006. Mayer, con este disco, ha conseguido un sonido único, su voz suena pequeña pero con el suficiente registro para ser personal.

El primer sencillo de Continuum es “Waiting on the World to Change”, una canción en tono pacifista y con letras claramente politizadas y anti-Bush.

Le sigue la canción “Don´t Trust Myself (With Loving You)”, ejemplo de la genialidad de Continuum. Resulta un ritmo evocativo de Al Green y Marvin Gaye: falsetos, trompetas de fondo y sólo de guitarra de blues que le da el toque extra. Desprende sensualidad por los cuatro costados.

Después existen baladas acústicas como “Stop This Train”, baladas de piano como “Dreaming With a Broken Heart” y baladas blues instrospectivas como “Gravity”, con la que descubrí a Mayer.

Dentro de este álbum existe un tema de Jimi Hendrix, “Bold as Love”, una versión correcta y respetuosa al mismo tiempo. Resulta bastante distinta de la original, por tanto no sería correcto clasificarla como una simple imitación.

Existe un tema, “The Heart of Life”, donde realiza un tierno homenaje a la vida: (El dolor derribará tu corazón al suelo / El amor dará vuelta a todo el asunto / No, no todo va a salir tal como debiera / Pero yo sé que el corazón de la vida es bueno. Tan simple como inapelable: más allá de las injusticias terribles, más allá de las tragedias personales, el corazón de la vida es bueno, esto es algo en lo que creo con todo mi ser.)

Y, finalmente, están aquellas canciones que suenan en un bar elegante vacío mientras ahogas tus penas con unas copas de whisky. “Show Dancing in A Burning Room” y “I´m Gonna Find Another You”. Estos temas muestran que la pasión de John Mayer por el blues no es un fetiche pasajero de niño blanco. Va mucho más allá y lo transmite con su música.

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