Este mes vuelvo a tomarme una pequeña licencia recomendando no sólo una película, sino la novela original que fue adaptada a la gran pantalla.

Into de Wild (Hacia rutas salvajes), Novela de Jon Krakauer
adaptada al cine por Sean Penn

Recuerdo como si fuera ayer el día en que Arantxa compró la novela ‘Into the Wild‘ (aquí traducida como ‘Hacia rutas salvajes‘) de Jon Krakauer. Ya me había hablado de ella antes de comprarla, y la verdad es que la historia me atraía mucho. Cuando ya la tuve en mis manos y leí la contraportada, me intrigaron tanto los hechos verídicos de esta historia que llevaron a Krakauer a escribir esta novela de investigación, que no pude reprimir el deseo de empezar a leerlo en ese mismo instante. Además, ya conocía el trabajo de Krakauer, periodista y montañista norteamericano, al haber leído su posterior libro acerca de la mayor tragedia sucedida en el Everest, y me apasionaba. Esa novela, titulada ‘Into thin air‘ (traducida como ‘Mal de altura‘), ha sido uno de los libros que más me ha marcado (y que me gustaría comentar en otra ocasión).

En ‘Into the Wild‘ Jon nos cuenta, tras la investigación que llevó a cabo personalmente, la verídica y trágica historia de Christopher McCandless (interpretado por Emile Hirsch) sobre los hechos que acabaron con su vida en un bosque de Alaska. McCandless, un joven norteamericano de 22 años y de família rica, tras desaparecer de su casa y cambiarse el nombre por Alexander Supertramp, emprendió un viaje de varios meses por Norteamérica hasta llegar a los bosques de Alaska, donde fue hallado su cuerpo sin vida meses más tarde por unos montañistas.

La noticia fue una bomba en EEUU, y todos los rotativos e informativos la explicaban dando su versión de los hechos. Nadie sabía exáctamente qué había estado haciendo Chris durante todos esos meses. Se sabía el inicio, y el triste final; pero, ¿y el resto de la historia? Eso es lo que empezó a investigar Jon cuando le encargaron que escribiera un artículo para la revista Outside, en la que trabajó durante muchos años.

El autor, al escribir la novela, intenta en todo momento mantener una postura distante de los hechos y contar la historia como lo haría cualquier periodista que no tuviera nada en común con el joven protagonista. Pero Krakauer, un montañista apasionado, tiene ideales en común con Christopher, y comprende sus motivaciones. Aún así, yo creo que consigue en gran parte mantenerse al margen y no plasmar sus propias conclusiones. Deja opiniones personales a un lado y se ciñe en informar de los hechos escrupulosamente a través de las entrevistas realizadas a todas las personas que estuvieron en contacto con Chris durante ese periodo. Además, el autor compara en numerosas ocasiones el suceso de este chico con otros casos con los que comparte cierto paralelismo. Ese detalle enriquece la novela.

La adaptación a la gran pantalla de Sean Penn me parece muy acertada. Sigue al detalle la historia y no deja ningún cabo suelto, sin incluir escenas innecesarias de cara a la galería. A parte de la comprensible pérdida de información en la adaptación al cine, creo únicamente que comete un error: al final saca sus propias conclusiones. Esto me decepcionó, sobretodo porque yo no coincidía con las suyas.

Para mí, que también comparto ciertos ideales con Chris, esta historia nos enseña mucho. Por un lado, a perseguir todos nuestros sueños por muy inalcanzables que parezcan. Y por otro lado, a aprender a renunciar a todo aquello que no estamos dispuestos a soportar.

Si sientes que estás en el sitio equivocado, lucha por cambiarlo.

Después de 2 meses sin cumplir con mis obligaciones blogueras cinéfilas, vuelvo a retomarlas con la recomendación del mes. Una sección a la que le tengo mucho cariño y que intenté no dejar de lado, pero que al final acabó cayendo en el pozo del olvido, como todo lo demás

Este mes voy a optar por una película actual (rompiendo la tónica de las últimas recomendaciones) y creo que bastante desconocida para la mayoría, pero que al mismo tiempo la talla de sus 2 principales protagonistas era una atracción suficientemente grande como para ir a verla.

La família Savages de Tamara Jenkins

Wendy (Laura Linney) y Jon Savages (Philip Seymour Hoffman) son dos hermanos que han vivido la etapa madura de sus vidas alejados de su família intentando olvidar una dura infancia junto a su padre. Un buen día Wendy recibe la noticia de que la novia de su padre ha muerto, y éste, con demencia, no puede cuidar de si mismo. Aunque ambos hayan estado más de 20 años sin hablar con su padre, sienten la obligación de que deben cuidar de él, a pesar de los duros recuerdos de su infancia. Ahora vuelven a encontrarse, tras años sin verse, obligados a convivir y a compartir una dura experiencia que les hará revivir sus recuerdos de infancia.

Últimamente, escoger una película en la que Philip Seymour Hoffman tenga un papel protagonista es garantía de éxito seguro. Si a eso le sumamos la calidad y experiencia de la siempre cumplidora Laura Linney, obtenemos un trabajo magnífico. Y eso que la directora, Tamara Jenkins, es prácticamente una desconocida tras la cámara. Pero trabajar junto a estos 2 grandes actores debe ser bastante fácil. Supongo.

El film muestra una historia llena de humanidad, en la que todos podemos sentirnos identificados, con algún que otro toque de humor realmente genial. Y sorprendente. Es a ratos dura e intensa, aunque a simple vista no lo parezca, pero muestra también matices simpáticos y adorables que la convierten en una película diferente.

Me llamó especialmente la atención qué los 2 hermanos fuesen escritores. Parece que de alguna manera, inconscientemente, ambos personajes buscaran en la literatura una manera de evadirse de sus vidas, como buscando una realidad alternativa que les fuera más placentera. Además, les da mayor profundidad a los personajes y, al mismo tiempo, una capacidad de reflexión quizá algo desmesurada. Recuerdo la escena en la que el comedor de Jon está inundado de libros y a Wendy le resulta imposible encontrar un hueco donde sentarse.

En definitiva, una película dura y adorable a partes iguales.

Uno de los mayores genios de la música debía ser homenajeado en la gran pantalla como tal. Y parece que 8 estatuíllas (incluídas mejor película, director y actor principal) son un homenaje lo suficientemente grande.

Antonio Salieri (F. Murray Abraham), compositor de cámara del Emperador José II de Austria, narra en modo de flashback la increíble historia de Wolfgang Amadeus Mozart (Tom Hulce). Salieri, entregado por completo a su trabajo prometiendo castidad a Dios a cambio de seguir manteniendo sus dotes musicales, disfruta de su privilegiada posición dentro de la capital de la música en esa época. Los logros de un joven prodigioso llamado Mozart llegan a sus oídos, llamando su atención y su admiración… hasta que lo conoce. La decepción de que un personaje tan excéntrico tenga ese talento ‘celestial’ para la música lo desconciertan. A partir de ese momento su vida se convierte en una lucha interior entre el Salieri abrumado por el talento de Mozart, al que considera un elegido de Dios, y el Salieri que se muere por los celos y la envidia de no haber sido dotado de ese talento, y que hará lo imposible por hundirlo.

Hacía mucho tiempo que no tenía el placer de volver a ver esta película. Esta vez, y gracias al regalo de Arantxa, pude disfrutar de ella en su versión más extensa, la del montaje del director, con casi 3 horas de metraje. Y la verdad es que valió la pena. Pudimos disfrutar de unas escenas de ópera maravillosas y una música realmente prodigiosa (resaltar que las piezas musicales creadas por Wolfgang Amadeus Mozart aparecen hasta en un total de 392 trabajos en cine y televisión. Impresionante).

Con un F. Murray colosal interpretando al maestro Salieri, lo que le llevó a conseguir la estatuilla, y con una gran dirección de un poco prolífero Milos Forman (18 películas en 46 años) consiguieron una gran adaptación de la obra del dramaturgo inglés Peter Shaffer, creador de grandes obras adaptadas a la gran pantalla. La manera cómo Murray expresa esa inmensa admiración que Salieri sentía al escuchar la música de Mozart, consumiéndose al mismo tiempo por los celos y la locura de no comprender de donde surgía ese talento musical, es impresionante. Así mismo, el trabajo de un gran Hulce tampoco se queda atrás recreando el talento natural del genio.

Hay una escena que se me quedó grabada desde la primera vez que la vi. En ella podemos ver la curiosa recepción del emperador de Austria a Mozart. Curiosa, como no, gracias a las excentricidades del joven Mozart y a su impresionante talento, ya que con sólo haber escuchado una sola vez la composición de bienvenida del maestro Salieri, es capaz de repetirla perfectamente al piano e improvisando sobre la misma, mejorándola notablemente a cada nota que incluía.

Pero después de volver a verla, he descubierto que el film está repleto de escenas memorables. En una de ellas, vemos como Salieri lee una partitura de Mozart emocionándose a cada nota que va leyendo, reconociendo que esa música no podía escribirse por casualidad, o por error. Otra escena inolvidable es cuando la mujer de Wolfgang se presenta en casa de Salieri con las partituras originales, y como el compositor de cámara comprueba perplejo que no hay ni una sola corrección en ninguna de ellas. Por último quiero recordar otra escena, mostrada únicamente en la versión del montaje del director, en la que un enfermo Mozart va dictando sobre la marcha y a toda prisa la ópera que solo existe en su cabeza. Además, el director juega maravillosamente con las notas musicales mientras los personajes describen lo escrito en la partitura.

Para los amantes de la ópera y del arte de la música por encima de todo, este film es absolutamente indispensable. Para mí, una auténtica obra maestra del séptimo arte.

Aprovechando que la última recomendación musical de Arantxa me ha recordado una de las mejores películas que he visto, he pensado que era el mejor momento de recomendarla.

Philadelphia, de Jonathan Demme

Además, la escena que Arantxa nos enseñó es una de las mejores de la película (una pequeña muestra de lo que este grandísimo film puede ofrecernos). En ella, se mezclan un torbellino de sentimientos por parte de ambos protagonistas. Como la desgarradora emoción, pasión y rabia que siente Andrew Beckett (interpretado de manera magistral Tom Hanks) al escuchar y narrar la ‘mamma morta‘, mientras le observa su abogado, Joe Miller (gran trabajo de Denzel Washington) con una mezcla de asombro y respeto.

Este film narra la historia de Andrew Beckett (Hanks), un joven y prometedor abogado que trabaja en uno de los bufetes más prestigiosos de Philadelphia. Un día descubre que ha contraído el virus del sida. Mientras lucha contra la enfermedad mantiene su dedicación al trabajo, al tiempo que intenta esconder las marcas que el virus muestra a través de su piel. Al poco tiempo, sus jefes descubren los motivos de dichas marcas, y tras una extraña sucesión de errores en uno de los casos más importantes que lleva el joven abogado, es despedido. Al tener la sospecha de haber sido despedido a causa de su enfermedad, decide demandar al bufete. En la búsqueda de un abogado que lo defienda, sólo encuentra puertas cerradas ante su condición de homosexual y de enfermo de sida; hasta convencer a Joe Miller (Washington).

Philadelphia nos muestra la cara más cruel del ser humano. Aquella que discrimina a otro ser por el simple hecho de ser algo diferente. Ya sea diferente raza, cultura, sexualidad, condición religiosa, o cualquier otra cosa que se pase por la cabeza. Porque si algo demuestra el ser humano en estas situaciones, es sobretodo crueldad.

Con la mezcla de la magistral dirección de Demme (El silencio de los corderos), la impresionante interpretación de Tom Hanks (recibió su primer Oscar), la solvencia absoluta de Denzel Washington y una soberbia banda sonora (Oscar a la tremenda ‘Streets of Philadelphia‘), sólo podemos obtener una obra indispensable. Además, cargada con un alto contenido de crítica social.

Personalmente, es una de las películas que considero que todo el mundo debería ver. Por su contenido, su tono, sus interpretaciones y su crítica social. Me gustaría resaltar la escena final de la película. Óbviamente no la explicaré, pero la música y la recreación del ambiente jovial que reina en la sala me dejó un profundo sentimiento de nostalgia. Es una de esas escenas que guardo con cariño de entre las películas que he visto.

Resulta muy complicado explicaros una ópera sin extenderme demasiado. Trataré de explicaros en este post uno de lo arias más bellos y emotivos que he escuchado.

La ópera de Umberto Giordano se estrenó en la Scala de Milán en 1896. El argumento está basado en la vida de André Marie Chénier, un personaje real aunque la historia no lo sea ya que está adaptada a la dramatización tan característica de la escena musical.

Existen tres personajes principales: Andrea Chénier, Maddalena de Coigny (hija de la condesa de Coigny) y Carlo Gérard (mayordomo de la condesa y líder revolucionario).

Acto I: Estamos en la época previa a la Revolución Francesa. Chénier y Maddalena se conocen en casa de ésta, donde es invitado como joven promesa de las letras y es ridiculizado por su temperamento introvertido. Chénier, encolerizado y dolido, improvisa un poema lleno de patriotismo revolucionario y profunda crítica a la clase alta.
Por otro lado, Gérard (el mayordomo), aprovecha la ocasión para enfrentarse a su patrona y marcharse de su casa, sin descubrir su mayor secreto: que estaba profundamente enamorado de Maddalena.

Acto II: Han trascurrido cinco años y nos encontramos en plena Revolución Francesa encabezada por Robespierre y Jean-Paul Marat.
Chénier se siente vigilado y sólo le queda la esperanza de encontrar el anhelado amor supremo. Lleva un tiempo recibiendo cartas anónimas de una mujer que le ruega su ayuda y cree que el destino le ha predestinado a esa mujer como su gran amor. Ésta resulta ser Maddalena de Coigny, quién perdió todas las posesiones que tenía a raíz de las persecuciones de Robespierre y es buscada por su origen noble.
Tienen la posibilidad de encontrarse y Chénier aprovecha para confesarle su amor, desde el primer día que la vio, al igual que ella, prometiéndose amor eterno aunque la muerte los amenace.
Los amantes son interrumpidos por Gérard, que se ha convertido en un importante líder del régimen. Éste ha buscado afanosamente a Maddalena porque no puede vivir sin ella.
Chénier y Gérard se enzarzan en una pelea y Maddalena huye con Roucher (amigo de Chénier).
Gérard es herido y Chénier encarcelado.

Acto III: Chénier ha sido detenido y Gérard aprovecha la detención para acusarlo y así poder estar más cerca de Maddalena. Son los celos y el apasionamiento lo que provocan esta decisión.
Gérard, por tanto, firma el acta de acusación y es en ese momento en que llega Maddalena y se inicia un dúo en el que Gérard recuerda, cómo en el pasado estaba enamorado de ella desde que era pequeña. La narración de él se queda reducida a la nada ante el relato de Maddalena y es aquí donde se inicia el aria que os comentaba, la Mamma Morta: al inicio se observa una primera parte narrativa con un tono abatido – la muerte de su madre, el incendio de su casa y su soledad. Y una segunda parte conmovedora que alcanza brillantes momentos, destacando el final – “Ah, io son l´amore, io son l´amore, l´amore!”. Sus palabras cambian el tono amenazador de Gérard, que siente que ha cometido una gran injusticia y que está dispuesto a tratar de salvarlo ya que es difícil librarlo de las garras del tribunal.
Gerard trata de interceder por Chénier en el tribunal, apelando a los falsos cargos con que lo acusara, pero el tribunal sediento de sangre y venganza, condena al poeta a muerte.
Maddalena ante el inminente final, pide a Gérard morir con su amado, reemplazando a una joven condenada. Nada consigue librar del macabro fin a los jóvenes amantes, quienes se unen en un heroico final para enfrentar juntos la muerte terrenal de su amor, pero no la trascendental. Baja el telón mientras ellos salen del calabozo, camino de la guillotina.

Os dejo con un fragmento de la película Philadelphia, donde Tom Hanks narra la escena donde aparece el aria de la Mamma Morta.

Espero que os guste.

Retomo la sección de literatura después de haber estado mucho tiempo sin actualizarla.

No sé si a vosotros os pasará igual pero a mí personalmente me cuesta mucho que una novela me marque. Suelo leer una media de 3-4 libros mensuales, muchas de ellas me gustan pero con el paso del tiempo me acabo olvidando de sus detalles, por eso puedo contar con los dedos de la mano las que tienen un significado especial para mí.

Por eso quería hablaros de Haruki Murakami y su novela Tokio Blues, siendo su nombre original Norwegian Wood (bosque noruego) título de una canción de los Beatles.

Sobre el autor: Nacido en Kioto en 1949, Haruki Murakami es hijo único de un matrimonio de profesores de Literatura japonesa. Sus años de estudiante se caracterizaron por su activismo en contra de la guerra del Vietnam y por la nueva izquierda. Tras licenciarse en 1973 en Teatro Clásico, Murakami regentó durante ocho años un jazz-bar en Tokio, al mismo tiempo que iniciaba su carrera literaria. Ha sido galardonado con el premio literario Yomiuri.

Sinopsis: Creía amarla, pero el pasado era un recordatorio palmario y perpetuo de sus carencias mutuas, y el presente, apenas un pozo en el que tirar recuerdos y sueños y mirar cómo caían hacia el fondo, lenta pero inexorablemente. Ella, Naoko, había sido la novia de su mejor amigo, Kizuki, hasta que éste se suicidó; y él, Watanabe, se arrastró desde entonces hacia un territorio a medio camino entre el deseo y la inercia. Allí se habían encontrado, en el campo abierto de la locura y la verdad desnuda, con una aceptación impuesta y a ratos desesperada, esquivando los miedos y deslizándose de puntillas sobre su amor, hasta que Naoko fue internada en un centro de reposo, en un intento por preservar los últimos lazos que la unían a la realidad.

Para Watanabe, a partir de entonces los días discurrirán entre su vida universitaria en Tokio, a la que nunca dejará de sentirse ajeno, sus lecturas y el ritmo regular y constante de sus pensamientos, empecinados en recrear sin descanso los acontecimientos mas nimios, los personajes más accidentales. Y las cartas de Naoko, escasas y exiguas, no logran rescatarlo de su soledad, el verbo fácil y transparente de Midori, caída como del cielo en el campo de acción de su fuerza gravitatoria, se convertirá en el espejo donde la realidad empiece por fin a adquirir consistencia.

La novela de Murakami gira en torno a la difícil adaptación al mundo de los afectos y las emociones de varios jóvenes que viven sus primeros años universitarios. A medida que avanza la lectura descubrimos un Watanabe más maduro, con una serenidad o peculiar equilibrio que lo aleja de la imagen de joven rebelde y asocial.

La pasión del escritor por la música aflora a lo largo de toda la novela: clásica (Mozart, Brahms), rock and roll (Beatles, Rolling Stones, The Doors), y jazz (Miles Davis, John Coltrane, Tonny Bennett, Thelonious Monk).

Os animo a iniciar esta lectura, seguro que no os dejará indiferentes.

Este mes he decidido recomendar una película diferente, una película sobretodo original y atrevida. Porque si algo me sorprendió de esta película no fue su historia, sino la manera de contarla.

Memento, de Christopher Nolan

Leonard (Guy Pearce) tiene un grave problema en su cerebro. Tras recibir un golpe en la cabeza al intentar evitar el asesinato de su mujer, su memoria es incapaz de retener nuevos recuerdos. Todos los hechos que vive a partir de ese momento sólo es capaz de mantenerlos en su memoria unos pocos minutos. En esas condiciones, intentará vengar el asesinato de su mujer, utilizando para ello una cámara de fotos instantánea y tatuándose en el cuerpo cualquier dato importante que le ayude a encontrar al asesino.

Cuando ví esta película fue una de las que más me sorprendió. El guión es tremendamente original, pero la dirección es asombrosa. Nolan decide mostrar la historia de una manera totalmente inusual: hacia atrás en el tiempo. Y es la mejor manera de darte cuenta de lo que siente el protagonista. Cada escena es una sorpresa, es una trampa. Cada personaje que aparece engaña al protagonista. Y no sólo a él, sino también al espectador. A cada cambio de escena te sientes engañado. Y eso es maravilloso.

El film fue una de las sorpresas del 2000 recibiendo 2 nominaciones a los Oscar. Con una gran actuación de Pearce , también podemos ver en este film a una descuidada Carrie-Anne Moss en un papel diferente.

Para que os hagais una idea, en imdb.com (la gran base de datos cinéfila de internet) tiene un 8.6 de media de más de 171.000 votos. Justo por encima de películas como The Matrix, Taxi Driver o Apocalypse Now. No es casualidad, os lo aseguro.

Este mes, y para acabar el año, voy a tomarme dos licencias: la primera es recomendar una película que acabo de ver en cine antes de hacer su crítica (y que, por lo tanto, aún no tengo en DVD), y la segunda es recomendar por primera vez una película espanyola.

El Orfanato, de Juan Antonio Bayona

Como suele pasar, el ojo clínico de Guillermo del Toro no suele fallar, y tras leer el guión y conocer al director no dudó en apadrinar el proyecto convirtiéndose en su productor, y eso que era el debut en la dirección de Bayona.

Después de muchos años, Laura (Belén Rueda) regresa, junto a su marido (Fernando Cayo) y a su hijo, al orfanato en el que se crió de niña y que ahora se encuentra abandonado, con el fin de crear una residencia para niños discapacitados. La casa empieza a afectar al comportamiento de su hijo, que se deja llevar por unos amigos imaginarios, y los recuerdos vuelven a la memoria de Laura, que cada vez se inquieta más y más con la situación. Todo cambia con la desaparición del niño. El universo de Laura se tambalea poniendo en duda todo en lo que cree y comenzando a indagar en el pasado.

La película gira totalmente en torno a Belén, que está soberbia, y a sus recuerdos de niñez. Desde que la actriz madrileña decidió dar el salto a la gran pantalla, todas sus decisiones, pocas hasta la fecha, han sido grandes aciertos (no olvidemos su papel en Mar Adentro) y esta película vuelve a serlo. Por otro lado, no parece en absoluto un debut en la dirección, ya que el pulso y tensión del film se mantiene intacto durante toda la cinta, demostrando, como ya hizo en su día Amenábar con Los Otros, que en películas de terror suele funcionar mejor lo que se esconde que lo que se muestra en pantalla. La agonía es más duradera, dejándote contínuamente en una tensa espera.

De las cosas que más me han sorprendido han sido su fantástico guión y ambientación. La casa no solamente es perfecta para el film, sino que también está muy bien aprovechada en todas las escenas. Y hablando de escenas, me gustaría resaltar un par por encima de las demás: la primera, la escena de la sesión de espiritismo de la medium, con cámaras en blanco y negro y un sonido vía radio-frecuencia que ponía los pelos de punta; y la segunda, cuando Laura, ya sola en la casa, juega al ‘pica la pared’ esperando que aparezca alguien a sus espaldas.

Para mí, es sin duda una de las mejores películas espanyolas hasta la fecha.

Como ya os comenté en el post de Infiltrados, el mundo de la mafia es uno de mis géneros de cine favoritos. Por eso este mes he decidido recomendar la película que para mí es la auténtica obra maestra del género.

Casino, de Martin Scorsese

Con un reparto impresionante, un guión exquisito y una dirección perfecta, esta película se ha convertido en una de las indispensables del género. Y es que teniendo a Scorsese tras la cámara dirigiendo a actores de la talla de Robert de Niro, Sharon Stone, Joe Pesci, James Woods y un gran repertorio de caras conocidas en películas mafiosas, era de preveer que algo grande iba a suceder.

En Las Vegas, década de los 70, los grandes jefes de la mafia controlan el negocio de los casinos. No corren buenos tiempos y los capos deciden poner a Sam “Ace” Rothstein (de Niro), un corredor de apuestas profesional que ya les hacía ganar mucho dinero, como director del casino Tangiers, uno de los más importantes de la ciudad. Ace deberá encargarse así de vigilar a los tramposos y de que siga fluyendo la corriente de dinero que va a parar a manos de los grandes jefes, pero allí encontrará a Ginger (Stone), una buscavidas de la que se enamorará perdidamente. Los jefes no acaban de estar tranquilos y deciden mandar a Nicky Santoro (Pesci), un viejo amigo de Ace, para cubrirle las espaldas. La ciudad es un hervidero de millonarios, ladrones, estafadores y manotes; y junto con las drogas hacen que Nicky y Ginger se descontrolen. Esto, unido a los problemas entre Ace y Ginger hacen peligrar tanto el negocio, dejando al descubierto trapos sucios de la organización, como sus propias vidas.

Para acabar de completar la obra de arte, los temas seleccionados para la banda sonora son impresionantes. Consiguen crear una atmósfera de adicción y violencia que te atrapa. Además, la calidad indudable de los actores (parece que tengan un don especial para el mundo mafioso) completan unas escenas inolvidables. Y si encima la ambientación (rodado en un casino real de Las Vegas) es perfecta, ya no queda nada más por añadir.

Me gustaría resaltar varias escenas. Como una que siempre recordaré por lo que me impresionó al verla, en la que matan a 2 tíos a palos (no diré a quién por los que no la hayan visto) y los entierran todavía vivos. Otra también impresionante es en la que enganchan a un tío haciendo trampas, se lo llevan a una sala y le rompen una mano a martillazos. O en la que meten la cabeza de otro tío en una prensa y se la van apretando más y más (me ha hecho gracia el detalle que he leído por internet en el que decían que era la película que más veces decían la palabra ‘fuck’).

Para los que aún no la hayais visto….. pues no me lo explico

Muchos de vosotros habréis oído hablar de ella en numerosos medios de comunicación haciendo referencia a sus problemas de adicción, alcoholismo, bulimia, anorexia, etc, etc.

No podemos negar que Amy es una chica verdaderamente conflictiva, pero su voz te eleva al mismo cielo o infierno, según se mire. Como éste es un apartado de críticas musicales, vamos a hablar de su disco que es de lo mejor que se ha publicado este año.

Amy nació en septiembre de 1983, procede de una familia judía y con tradición musical en el jazz. Creció escuchando distintos tipos de música, desde Salt n´Pepa a Sarah Vaughan. Esta influencia de la música negra quedó plasmada en su voz grave que rasga el alma.

En 2003 presentó su albúm debut, Frank, que fue nominado a los Premios Mercury Music y ganó un Ivor Novello Award en 2004 por su single “Stronger than Me”. En 2006 sacó su segundo disco “Back to Black”. Por este disco ha recibido numerosos premios, entre ellos ha alcanzado el platino en EEUU y como broche de oro ha alcanzado tres nominaciones a los MTV Video Music Awards 2007.

El disco Back to Black posee tanta fuerza no sólo por la voz de Amy. La producción de Mark Ronson y la categoría de sus músicos resulta impresionante, basta con escuchar la trompeta de Dave Guy, el saxo tenor de Neal Sugarman y el resto de la banda para darnos cuenta que ella es un elemento más del grupo. Han logrado que el álbum suene como un clásico de soul y no como un disco antiguo.

Las letras de este disco son generalmente de amor, pero de un amor de bella suciedad que se presenta de muchas formas a lo largo del disco. En el tema central del disco, “back to black” nos sitúa en una escena trágica de lecho llena de abandonos amargos, donde la decadencia llega a resultar adictiva y hermosa.

En “Just Friend” y en “You know I´m no good” el sexo y la culpa son protagonistas. En “Me and Mr Jones” las escenas de dramatismo se relajan para llegar a temas como “Tears dry on their own” o “He can only hold her” donde se aprecia un cierto optimismo, donde el amor pasa a ser un apoyo mutuo. Y en “Rehab”, hay una nota de humor, donde cuenta sus dudas sobre si debería ingresar en una clínica de desintoxicación, después de que una ruptura sentimental hace dos años la empujara por la pendiente del alcohol.

Resulta sorprendente como Amy ha sabido alcanzar la madurez como intérprete y en cambio, en su vida privada se comporta como una maniaco depresiva, con tendencia a drogarse y emborracharse a la menor ocasión. Esperemos que sepa aprovechar su carrera profesional y supere sus múltiples adicciones. Aunque si os digo la verdad me importa muy poco, mientras sea capaz de permanecer dos horas en un escenario y grabar un buen disco me conformo.

Si queréis saber qué pasa por su cabeza, os reseño una entrevista publicada en El Mundo el pasado mes de septiembre.

Esperemos que sea capaz de publicar otro disco y no se quede en el camino.

Dedicamos la recomendación gastronómica de este mes a la “bodega”, un espacio típicamente mediterráneo en el que existe la libertad de poder comer según el ritual de tapas y cazuelas.

Existe un lugar muy especial denominado Bodega Sepúlveda, regentado por la familia Solá desde 1954. Es de aquellos lugares en los que nunca prestarías atención. Como su nombre indica, está ubicado en la calle Sepúlveda, 173. Un viejo cartel de coca-cola en la puerta nos avisa que estamos en el lugar correcto y para asegurarnos sólo hay que fijarse en el expositor de cazuelas donde encontraremos desde cap i pota, habas catalanas, tortilla de bacalao al ajo arriero, atún picante, anchoas de Orio, patatas gratinadas con queso y anchoas, croquetas de queso, arroz con setas, secreto ibérico, gambas al ajillo,etc. Así hasta llegar a más de 80 opciones, a cual más apetitosa.

Si de verdad queremos disfrutar de esta bodega lo mejor es pedir información a la familia Solá y ver lo que comen nuestros vecinos, no sea que nos perdamos el foie, elaborado con una base de cebolla confitada y una reducción de Oporto o una perdiz a la vinagreta. El vino lo podemos encontrar a un precio asequible y lo podemos acompañar de un queso de cabrales. Finalmente, recomiendo como postre la naranja con dos chocolates y helado de vainilla, todo ello regado con licor Gran Marnier.

El espacio de este lugar, contribuye a crear una imagen de bodega que todos los habitantes de esta banda del mediterráneo tenemos en la memoria del placer y del gusto.

Bon profit.

Calle Sepúlveda, 173 bis. Barcelona

Tlf: 93.454.70.94 (Cierra los domingos)

Pasión, miedo, ternura, odio, atracción y terror… estos sentimientos, totalmente opuestos, son los que siempre ha provocado un personaje tan misterioso y fascinante como el conde Drácula.

Drácula (de Bram Stoker), de Francis Ford Coppola

El conde Drácula ha sido, y aún es, uno de los personajes más fascinantes del siglo XIX. Creado por el escritor irlandés Bram Stoker, se cree que se basó en la figura del príncipe Vlad Tepes (el empalador), personaje del siglo XV que vivió en Transilvania. Conocido por haber sido el gobernante más temido en la Europa oriental por su carácter brutal y sanguinario, hijo de Vlad Dracul, y conocido por la crueldad con la que trataba a sus enemigos, a los que empalaba.

La historia del film nos lleva a la edad media, en Transilvania, cuando durante la guerra un soldado pierde a su amada. Desesperado y contrariado por no haber sido protegida por su dios vende su alma al diablo, convirtiéndose en vampiro. Cuatro siglos más tarde, ya como conde Drácula (Gary Oldman), continúa buscando la reencarnación de su amor, Elisabeta (Winona Ryder). Su búsqueda dará sus frutos al recibir la visita de un abodago de Londres, Jonathan Harker (Keanu Reeves), del que descubrirá que es el prometido de Mina Murray, la reencarnación de Elisabeta. Desde ese momento trazará un plan para retener a Harker y viajar a Londres en busca de su amada. Ya en Inglaterra extenderá un manto de seducción y terror tratando de recuperar el amor que hace tantos años le fue negado.

Este film es una de mis grandes predilecciones. Y eso que no soy fan del cine de terror, pero la ambientación, la música, la intensidad de las escenas y de sus personajes me maravilló. También es cierto que el tema vampírico siempre me ha gustado mucho, pero en este caso poco tiene que ver. Resaltar de la cinta la impresionante interpretación de Gary Oldman como el conde Drácula, la mejor de su carrera. También Anthony Hopkins, como suele ser habitual en él, está soberbio como el profesor Van Helsing. Una película de una calidad indiscutible, normal viniendo del gran Francis Ford Coppola, con una fotografía espectacular y una fantástica banda sonora.

Para mí, una auténtica obra maestra indispensable del cine de terror.

Pocas veces alguien ha alzado la voz tan alto y claro de lo que lo hizo uno de los más grandes del cine. Más bien, al menos para mí, el más grande por encima de todos, sir Charlie Chaplin.

Crecí viendo de tanto en tanto alguno de esos maravillosos cortos que rodó. Sin duda, nadie como él me ha hecho reir tanto. Y eso para mí es mucho decir, ya que precisamente no tengo a la comedia como un género de mi predilección. Las carreras, los tortazos, los golpes, las caídas, los tartazos, … han sido los momentos más desternillantes de los que he disfrutado en toda mi vida como cinéfilo.

Durante más de 20 años, Chaplin se dedicó a rodar cortos de cine mudo. La tecnología iba progresando y él se negaba a adaptarse al avance de la industria del cine. Lo que antes le hizo grande, debería seguir sirviéndole. Según sus propias palabras, si Charlot hubiese comenzado a hablar, habría sido el fin del personaje. Pero como siempre pasa, todo tiene su fin.

El cine de Chaplin siempre ha tenido un contenido con una dura crítica social. Y en USA, su hogar de adopción, nunca lo llegaron a entender. Durante años fue maltratado por la prensa, pero su éxito era tan grande que jamás pudieron hacerlo callar.

El gran dictador es la culminación de un auténtico genio. La película es una extraordinaria parodia de la Alemania nazi de Hitler. El genio de Chaplin se pone al servicio de la humanidad en un despliegue asombroso de visión histórica. Lo que él rodó, sin tener noticia alguna de lo que el régimen nazi estaba haciendo (el rodaje comenzó la misma semana en que lo hizo la Segunda guerra mundial), se ajustó a la realidad de una manera extramadamente real. Tanto es así que cuando el mundo conoció el alcance de los hechos, Chaplin declaró que de haberlo sabido antes, jamás lo hubiera rodado. La recreación de la vida en los ghettos y los campos de concentración es asombrosa, y eso que era imposible saber qué estaba pasando. El estreno fue en 1940, un año después de comenzar la guerra.

La historia del film nos narra como un humilde barbero judío del ejército de Tomania pierde la memoria en la guerra, pasando 20 años en un hospital. Cuando sale, el país ha cambiado mucho. Gobernado por el dictador Hynkel (parodia de Hitler con quién tenía un gran parecido) se discrimina brutalmente a los judíos. El dictador decide atacar el país vecino, pero antes de ello se reune con Napaloni (parodia impresionante de Musolini) para que éste no se entrometa. El barbero es llevado a un campo de concentración y al escapar de éste es confundido con el dictador, con quién tiene un asombroso parecido.

Con el paso del tiempo, el film se ha convertido en una obra maestra. Un clásico del séptimo arte. Y no es para menos. Seguro que recordareis todos esa famosa escena del dictador jugando con el globo del mundo. Esta fue la primera película en la que Chaplin habló. Y vaya si habló. La extraordinaria facilidad que tenía para fingir que habla un idioma es increíble. Así, los discursos de Hynkel son estrambóticos y totalmente creíbles. En el final del film, el barbero lanza un profundo discurso donde expresa sus deseos de paz y libertad en el mundo.

Una auténtica maravilla del cine. Indispensable.

Hacía tiempo que quería recomendar este disco.

Para aquellos que no sepáis quién es Miguel Poveda os diré que es un cantaor de flamenco nacido en Badalona en el año 1973. Resultaba curioso, que siendo catalán, sin raíces andaluzas y payo, tuviera ese talento y el carisma suficiente para subirse encima de un escenario y emocionar a los más sabedores en este arte.

Muchos son los proyectos que ha desarrollado desde los 14 años que comenzó su carrera profesional, aunque he decidido centrarme en uno de sus discos que para mí resulta especial por la particularidad del mismo.

El 20 de noviembre de 2.005, Miguel Poveda presentaba en el Auditori de Barcelona su disco Desglaç. Los más puristas se pusieron las manos en la cabeza al escucharlo. Producido por Taller de Músics de Barcelona y Discmedi, Poveda recoge una selección de poemas en lengua catalana con aires flamencos.

Esta idea surgió con motivo del centenario de la muerte de Verdaguer, ya que le pidieron que cantara algún texto del poeta catalán, tema que recoge el disco
“A mos bescantadors“. A partir de entonces desde el Taller de Músics de Barcelona, le animaron a hacer un disco en catalán, y ahí se inició la nueva aventura.

Lo más complicado de este trabajo, fue la elección de los poemas, tres años de dedicación y aprendizaje para descubrir lo que encerraban aquellos poemas. Miguel pretendía que los textos fueran lo fundamental del disco: “La música había de estar al servicio de la poesía y no al revés”..

Finalmente, encontró la inspiración en poemas de Verdaguer, Maria Mercè Marçal, Gabriel Ferrater, Brossa, Valentí Gómez, Casasses, Comadira, Margarit, Piera, Barceló y Sebastià Alzamora.

Desglaç no es exclusivamente un disco de flamenco. Hay aires de jazz, de bolero, de tango, orientales y otros ritmos. Podremos escuchar la guitarra de Chicuelo, el bandoneón de Marcelo Mercadante, el piano de Amargós, la armónica de Antonio Serrano y la voz de Moncho acompañándole a ritmo bolero jazzístico y rumbero en “No et veuré mes” o la de Miguel Gil cantando en “Boca seca“.

La música no entiende de fronteras ni de esencialismos y el arte de Miguel Poveda es capaz de despuntar por encima de tópicos.

Os dejo con la letra de “Final”, un poema de Joan Brossa que dedicó a “Sa Excremència” veinticinco años antes, exactamente el 20 de Noviembre de 1975.

-Havies d’haver fet una altra fi;
et mereixies, hipòcrita, un mur aun altre clos.
La teva dictadura,la teva puta vida d’assassí,
quin incendi de sang! Podrit botxí,
prou t’havia d’haver estovat la dura
fosca dels pobles, donat a tortura,
penjat d’un arbre al fons d’algun camí.
Rata de la més mala delinqüència,
t’esqueia una altra mort amb violència,
la fi de tants des d’aquell juliol.
Però l’has feta de tirà espanyol,
sol i hivernat, gargall de la ciència
i amb tuf de sang i merda.
Sa Excremència!
-Glòria del bunyol,
ha mort el dictador més vell d’Europa.
Una abraçada, amor, i alcem la copa!

20 de novembre de 1975

Este mes mi recomendación cinéfila va dedicada a Arantxa, ya que he decidido poner una película que le gustó mucho. Por supuesto, a mi también, sino no la pondría .

Mi querido Frankie

Producción inglesa independiente y debut en la dirección de la desconocida Shona Auerbach. Como buena película europea presenta un reparto sin grandes estrellas y en la que para todo el equipo técnico éste es su primer trabajo serio. Buena prueba de ello es el cariño que han puesto en el film.

Frankie es un niño de nueve años que vive con su madre Lizzie y su abuela Nell. Está sordo y hasta donde le llegan sus recuerdos nunca han tenido una residencia fija. Su madre no para de viajar de un lado a otro sin una razón aparente. Lo que él no sabe es que ella le esconde la verdad, que en realidad huyen de su padre. Lizzie, para calmar la curiosidad de su hijo, se inventa una historia y le cuenta que su padre viaja en un barco por todo el mundo. El barco es real y Frankie le sigue la pista allá donde va, marcando la ruta sobre un mapa. Lizzie, cada pocas semanas, escribe una carta a su hijo haciéndose pasar por su padre, a las que el pequeño contesta inmediatamente. Acaban de llegar a un pueblo costero de Escocia y el pequeño descubre poco tiempo después que el supuesto barco en el que viaja su padre acaba de desembarcar allí. Ante tal acontecimiento su madre tiene miedo a decirle la verdad y se ve obligada a buscar a un marinero que pueda hacerse pasar por su padre.

Para el pequeño Jack McElhone (Frankie) éste es su segundo trabajo, curiosamente también junto a Emily Mortimer (Lizzie) a la que vemos poco después en Match Point y que colecciona una gran cantidad de pequeños papeles en toda clase de producciones. Junto a ellos, Gerard Butler es el rostro más conocido (300, el fantasma de la ópera, Tomb Raider, Las flores de Harrison,…).

Una historia de soledad y comprensión hecha con mucho cariño. Con ternura y sin buscar la lágrima fácil, cosa que sería sencillo de alcanzar si quisieran. Una preciosa fotografía gracias a los paisajes de Escocia. Esta es una muestra de que el cine europeo tiene mucho que hacer y decir (tiene un corte muy similar a la Oscarizada Kolja, premiada en el 97 como mejor película de habla no inglesa).

Disfrutar de una historia tierna y sencilla.

Con una escasísima experiencia a sus espaldas, los amigos de la infancia Matt Damon y Ben Affleck se embaucaron en su primer proyecto como guionistas y así les fue: éxito de taquilla, de crítica, de premios… y una película memorable.

El indomable Will Hunting, de Gus Van Sant

Después de estar durante más de 5 años trabajando en su primer proyecto, los íntimos amigos de Massachusetts (se conocieron con 8 y 10 años, Ben y Matt respectivamente) estaban dispuestos a llevarlo a la gran pantalla, con la condición de ser ellos mismos los protagonistas. Encontraron a muchas productoras que se interesaron en el film, pero sin querer contar con ellos. Al fin, todo cambió al cruzarse con Van Sant, que se comprometió a dirigirlo, consiguió a Miramax y la participación de un amigo, Williams. Y menudo poker completaron.

Will (Matt Damon) es un genio, un chico con una inteligencia fuera de lo común. Pero él no le da importancia. Lleva una vida sencilla, con un trabajo sencillo y pasa su tiempo bebiendo y divirtiéndose con sus amigos, sin más preocupaciones. Huérfano, su vida y su família gira en torno a sus amigos, que darían la vida por él. Hasta el punto que su mejor amigo, Chuckie (Ben Affleck), consciente del talento de su amigo, le anima a cambiar de vida: “tienes un boleto ganador. aprovéchalo. porque si no es así, nunca te perdonaremos que hayas echado tu vida a perder“. Un buen día su potencial es descubierto por un profesor de la universidad al ver cómo Will era capaz de resolver problemas matemáticos que ningún estudiante de la facultad era capaz de realizar. El profesor, maravillado por la capacidad del joven decide ayudarlo a salir del calabozo (tras una pelea callejera) con la condición de estudiar junto a él teoremas matemáticos y de buscarle un psicólogo que lo ayude a mejorar como persona.

Después de que varios psicólogos se negaran a trabajar con Will, por culpa de su actitud, el profesor acude a un viejo amigo, Sean (Robin Williams), que entenderá y conectará con el joven como nadie jamás lo había hecho antes, descubriendo los recuerdos que atormentan la cabeza del chico. Esa relación conseguirá abrir los ojos de Will, que llegará a plantearse un futuro en el que podría olvidar sus sufrimientos de infancia.

Personalmente, es la mejor interpretación de Robin Williams de toda su carrera, en un papel de corte muy parecido a aquél profesor John de El club de los poetas muertos. Hasta la fecha también han sido para mí los mejores papeles de Matt y Affleck. Y es que el grado de implicación de todos era tan elevado que se dejaron el alma en una película donde prima por encima de todo el trato humano, la comprensión y la amistad. Una magnífica historia magníficamente narrada y con unas escenas memorables, como la conversación de Sean y Will en el parque. El personaje de Will es duro en su apariencia pero frágil en su interior, con miedo por sentir, porque le hagan sufrir más de lo que ha sufrido ya. También muestra el curioso contraste entre la vida universitaria y la de los chicos de la calle, aparentemente incompatible.

El film se llevó una infinidad de premios, entre ellos 2 Oscar al mejor guión original y al mejor actor secundario (Williams).

Una película maravillosa que no deberíais desaprovechar.

últimamente tengo una prelidección especial por los clásicos. no sé por qué. quizás será que el cine que se hace hoy en día es demasiado comercial y me empieza a cansar. quizás el mundo del cine ha cambiado demasiado. ya no se ven esas comedias tan personales y cercanas. reales, como la vida de cada uno de nosotros.

la verdad es que tenía muchas ganas de recomendar ya alguno de esos clásicos tan maravillosos que seguro que muchos de vosotros ya habreis visto. de esos films que no envejecen con el tiempo y siempre hay un momento en el que te apetece volver a verlos.

el Apartamento, de Billy Wilder

Buxter (Jack Lemmon) es un ambicioso neoyorkino que trabaja entre miles de compañeros en una compañía de seguros de Manhattan. él es un engranaje más en la compañía, pero no quiere conformarse con eso. el joven soltero presta su pequeño y cálido apartamento en la gran manzana como punto de encuentro amoroso de alguno de sus superiores con el fin de subir peldaños en la compañía. el director también se percata de los movimientos del joven y se aprovecha de la situación para citarse en su apartamento con una ascensorista (Shirley MacLaine) de la que Buxter está enamorado. tras el encuentro de su director se encuentra a la muchacha en su cama con una sobredosis de somníferos…

una maravillosa comedia del gran Billy Wilder (maestro de obras de la talla de sabrina, la tentación vive arriba, con faldas y a lo loco, …) en la que Lemmon está impresionante. un film vibrante e hilarante lleno de ternura. con un ritmo endiablado que nunca te llega a cansar.

una película de las que ya no se hacen, que merecen guardarse bien adentro.

Descubrí a este artista por casualidad. Estaba escuchando la banda sonora de Anatomía de Grey, donde esta incluida la balada “Gravity”, tema que aparece en el último álbum de John Mayer.

John Clayton Mayer es un cantante, compositor y guitarrista americano ganador de varios Grammy Award. Nació en Atlanta en 1977. Comenzó cantando canciones pop de gran sensibilidad acústica y se movió desde entonces hacia el soul y el blues, sin perder su capacidad para las melodías y las letras inteligentes.

Podría hablar de sus trabajos anteriores, pero prefiero centrarme en su último álbum, Continuum que fue lanzado en septiembre de 2.006. Mayer, con este disco, ha conseguido un sonido único, su voz suena pequeña pero con el suficiente registro para ser personal.

El primer sencillo de Continuum es “Waiting on the World to Change”, una canción en tono pacifista y con letras claramente politizadas y anti-Bush.

Le sigue la canción “Don´t Trust Myself (With Loving You)”, ejemplo de la genialidad de Continuum. Resulta un ritmo evocativo de Al Green y Marvin Gaye: falsetos, trompetas de fondo y sólo de guitarra de blues que le da el toque extra. Desprende sensualidad por los cuatro costados.

Después existen baladas acústicas como “Stop This Train”, baladas de piano como “Dreaming With a Broken Heart” y baladas blues instrospectivas como “Gravity”, con la que descubrí a Mayer.

Dentro de este álbum existe un tema de Jimi Hendrix, “Bold as Love”, una versión correcta y respetuosa al mismo tiempo. Resulta bastante distinta de la original, por tanto no sería correcto clasificarla como una simple imitación.

Existe un tema, “The Heart of Life”, donde realiza un tierno homenaje a la vida: (El dolor derribará tu corazón al suelo / El amor dará vuelta a todo el asunto / No, no todo va a salir tal como debiera / Pero yo sé que el corazón de la vida es bueno. Tan simple como inapelable: más allá de las injusticias terribles, más allá de las tragedias personales, el corazón de la vida es bueno, esto es algo en lo que creo con todo mi ser.)

Y, finalmente, están aquellas canciones que suenan en un bar elegante vacío mientras ahogas tus penas con unas copas de whisky. “Show Dancing in A Burning Room” y “I´m Gonna Find Another You”. Estos temas muestran que la pasión de John Mayer por el blues no es un fetiche pasajero de niño blanco. Va mucho más allá y lo transmite con su música.

soberbio cara a cara de 2 actores de una talla espectacular. Russell Crowe y Al Pacino se salen en unas interpretaciones magistrales. lo bordan. dirigidos por la mente de Michael Mann (Heat, Alí o El último mohicano) nos muestran un thriller lleno de suspense sobre una realidad que nos llega a todos. nos encontramos ante una película de kilates.

El dilema

basada en hechos reales, del artículo “el hombre que sabía demasiado” (‘the man who knew too much‘) de la revista Vanity Fair, narra la historia de cómo el dr.Wigan (Crowe), científico directivo de una poderosa tabacalera, tras ser despedido de ésta es amenazado de muerte por el miedo a que éste revele los secretos sobre las sustancias que se añaden al tabaco para crear adicción. sin planearlo, conoce al periodista Bergman (Pacino), productor de un famoso programa, que se juega su carrera al notar en el científico un remordimiento y unas ansias por revelar al mundo cómo se está jugando con la salud de las personas.

uno de los mejores thrillers de los últimos años. una película sin excesos ni defectos. con la realidad de cada día, a través de gente normal. ni héroes ni villanos (poco común en hollywood). sin un sólo minuto que despreciar. nada sobra, nada falta. imprescindible.

la talla de Crowe es impresionante. no os la perdais.

A estas alturas, es muy probable, que muchos de vosotros hayáis oído hablar de este fenómeno. Ha sido todo un descubrimiento para la música británica, aunque Mika Penniman llevaba cinco años llamando a numerosas discográficas sin éxito, ya que consideraban que su estilo resultaba inclasificable, demasiado raro para la escena comercial y demasiado melódico para la escena indie.

Nacido en Líbano, de nacionalidad británica y con 23 años, su disco Life in Cartoon Motion, supone un éxito, no tan sólo por sus espectaculares cifras de ventas, sino porque antes de tener un contrato discográfico, más de medio millón de personas ya habían oído su trabajo a través de la página MySpace.

Destaca las múltiples facetas que puede llegar a adoptar, tanto en el plano musical como en la estética y en la actitud – sólo hay que ver alguno de sus vídeos musicales -

Si hablamos de influencias, aparecerían artistas de la talla de Freddie Mercury, Bob Dylan, Prince o Rufus Wainwright.

Llega a mezclar la bohemia con el barroco, lo despeinado y lo impecable, lo femenino y lo masculino, la innovación, lo clásico…en fin, un trabajo realmente colorista y original al 100%.

Temas a destacar:

1. Grace Kelly, que se lanzó como primer single y en determinados momentos y salvando las distancias llega a poseer la elasticidad vocal de Mercury.
2. El tema Billy Brown, en la que habla de un hombre que descubre su homosexualidad.
3. Relax, take it easy, en la que pide disculpas por adelantado a aquellas personas cuyas historias tomó prestadas pero a las que ha convertido en una caricatura.
4. Love today, tema que se acerca al glam y segundo single de este disco.
5. Lollypop, que es una bailable canción de los años sesenta.
6. Happy Ending, donde coquetea con el soul.
7. Over my shoulder, que combina la solemnidad de un piano clásico con su falsete llevado a la máxima expresión.

Recomendado para todos los públicos y para todos los estilos. no os defraudará.

no podía pasar por alto el haber recomendado “La milla verde” sin hablar de este soberbio film. sin duda una auténtica maravilla. una de las mejores películas que he visto.

Cadena Perpetua

menudo estreno como director en la gran pantalla tuvo Frank Darabont (antes dirigió 2 TVmovies). sin duda fue sonado. un tremendo éxito que le llevó a 7 nominaciones a los Oscar. además, si tenemos a 2 actorazos de la talla de Tim Robbins y Morgan Freeman es comprensible que me haya llegado tan adentro. y no sólo a mi, ya que es una de las películas que siempre aparece entre las más votadas por los internautas.

una sentencia de cadena perpetua por asesinato lleva a Andrew Dufresne (Robbins) hasta Shawshank, un agujero presidiario donde se golpea a los presos hasta la muerte controlado por un gobernador corrupto y desvariado. el paso de los años entre rejas hará que Dufresne se gane la confianza de compañeros, guardias y del mismo gobernador hasta límites incontrolados. como su amistad con Red (Freeman), jefe de los ‘trapicheos’ entre rejas, tan grande que traspasa las murallas de la prisión. quién sabe si algún día se encontrarán fuera.

la historia de Andrew Dufresne en la prisión de Shawshank no ofrecía nada nuevo que no se hubiese visto antes en el cine, pero la manera de mostrarnos la vida en prisión, la naturaleza y sensibilidad de los personajes y la delicadeza de la historia hacen de ella una película indispensable. como ya he dicho, una de las mejores películas que he visto. una obra maestra.

en las situaciones límite se muestra la verdadera naturaleza de las personas. y más aún cuando la gente que está a tu lado está preparándose para morir. reflexionando sobre sus vidas, sobre sus errores, desesperándose por cambiar su futuro. en ese momento debes ser cauteloso, debes medir tus actos, cuidar tus palabras y saber cómo actuar en cada una de las situaciones, ya que sin darte cuenta se te pueden escapar de las manos.

Pau Edgecomb (Tom Hanks) es el vigilante responsable del corredor de la muerte en una prisión de un pueblo al sur de los Estados Unidos. los reclusos con los que ha de convivir estan esperando a recorrer la última milla que les conducirá a ‘la freidora’, a la silla eléctrica. su última milla, es su Milla Verde.

una de las adaptaciones a la gran pantalla más conseguidas que he visto. y sobre todo porque en el libro de Stephen King no había ningún otro actor que encarnase el papel de Paul Edgecomb como Tom Hanks. la naturaleza del personaje cuando estas leyendo el libro encaja a las mil maravillas con el actor californiano. un hombre tranquilo y sosegado, reflexivo, justo y decidido. una personalidad ideal para el puesto que ha de desempeñar.

la vida que transcurre en el corredor de la muerte permanece aislada del mundo. un mundo en el que los milagros también ocurren y donde las personas justas incluso ponen en duda su posición al ver cómo es posible que se cometan tremendos errores. donde el contacto humano les hace luchar por lo que creen justo olvidando quienes són y cómo han llegado a parar ahí.

en esta sutil crítica a la pena capital, Frank Darabont nos maravilla una vez más entre rejas tras la impresionante Cadena Perpetua. una emocionante historia vivida a través de la convivencia de los guardias con los condenados en la que sus más de 3 horas se te quedan cortas y te dejan con ganas de continuar.

Sólo su nombre resulta mágico y poderoso, James Morrison, al escuchar estas palabras quién no recuerda al inigualable James Douglas Morrison, conocido como el Rey Lagarto.

A pesar de compartir nombre y apellido sus estilos son completamente antagónicos. Este chico acaba de cumplir 22 años y es una joven promesa dentro del panorama de la música británica. Su disco “Undiscovered” presenta a un cantautor de voz poderosa, con un toque de soul que nos recuerda a artistas de la talla de Otis Redding, Marvin Gaye o Stevie Wonder. El propio artista reconoce sus influencias indicando que le encanta la crudeza y la emoción de este tipo de música. Comenta que eso era lo que quería aprender, cómo ofrecer emoción y os aseguro que lo consigue y con creces.

Sus letras están inspiradas en una infancia y adolescencia conflictivas.

Destacar temas como “You give me something”, “Wonderful world ” o el tema que da título al disco, “Undiscovered” que sin duda es uno de los temas más emotivos.

“ Está inspirada en un amigo que he conocido desde los tres años. Ahora no está en su mejor momento, está perdido, no sabe dónde va. Me hace pensar que hay mucha gente ahí que podrían ser absolutamente sorprendentes en algo, pero sencillamente no tienen la oportunidad o no han sabido descubrir eso en lo que pueden ser tan buenos”, explica James.

Disco muy recomendado.

Arantxa

Después de tener abandonada mi sección de críticas musicales, reaparezco y fuerte con un temazo de la grandiosa Mala Rodríguez. Atención a aquellos que se consideren fans y adictos a su música porque la grande vuelve y lo hace a lo grande con un single llamado “Por la noche”, tema que forma parte de la banda sonora de “Yo soy la Juani”, última película del tristísimo director Bigas Luna ( es mi más sincera opinión ).

Pero como yo soy la crítica musical y no de cine, para eso tenemos a Vittorio, os comento que de momento no han informado de la fecha del esperado disco, titulado “Malamarismo”, eso sí, comentan que se publicará esta primavera. Estaré a la expectativa para informaros de las novedades.

Este nuevo disco aparece después de 3 años sin publicar y de haber realizado una extensa gira por 16 países con artistas de la talla de Kiko Veneno, Antonio Carmona o Akon. Con Antonio Carmona interpreta el tema “Ay de tí” en su último disco “Vengo Venenoso”.

Esperamos impacientes su disco, porque como suele decir en sus canciones:

Yo tengo lo que tú quieres !!!!

Arantxa. 

si superas los mareantes y asfixiantes primeros 10 minutos de Moulin Rouge (un shock de locura y desenfreno) podrás descubrir un paraíso imaginativo, atrevido y brillante.

un universo de fantasía bohemia en el París de principios del siglo XIX nos maravilla con una banda sonora que rebosa originalidad, versionando grandes clásicos de manera drástica y agresiva, completado por 2 luces que brillan en la noche parisina. una fantástica Nicole Kidman que recuerda a las mejores divas del séptimo arte que se ve maravillada por un impresionante derroche de talento de Ewan McGregor (su potencia vocal es deslumbrante). sobre estos 3 pilares se sustenta la impactante Moulin Rouge, sin necesitar nada y a nadie más. y va sobrada.

para los que se esperen el clásico film de música de cabaret (a lo Chicago) es que no conocen a Baz Luhrmann. el director australiano (de cortísima trayectoria fílmica) es experto en confundir al público creando universos de paranoias y tragicomedias.

una bella historia de amor contada de manera trepidante a través de las cuerdas vocales de sus protagonistas en un marco visual deslumbrante donde las imágenes se suceden en un desconcierto controlado.

un despliegue de sensaciones y emociones que te hará vibrar.

el otro día volví a ver esta maravillosa película después de mucho, mucho, mucho tiempo. demasiado. y, como siempre, me sigue cautivando. una fábula llena de magia, una auténtica obra maestra.

La vida es bella, de Roberto Benigni.

el drama de la Segunda guerra mundial visto a través de los mágicos ojos de Guido, un joven italiano que lucha por hacer creer a su hijo que lo que sucede a su alrededor en un campo de concentración nazi es solamente un juego.

una fábula que sorprendió y enamoró a medio mundo. su mágica historia en un mundo bañado por el horror de la guerra nos cautivó. sencillez, ternura y tragedia mezcladas de manera magistral.

una lluvia de premios confirmó el trabajo de Benigni como uno de los mejores de los 90. indispensable. os enamorará.

Quería finalizar las recomendaciones musicales de este año dejándoos un buen sabor de boca, y qué mejor forma de hacerlo que con la improvisación del contrabajista Javier Colina, que aparece por primera vez en un disco como líder.

Considerado uno de los mejores contrabajistas de la escena europea actual, dotado de una maestría y un genio excepcionales y aclamado por la crítica especializada, Javier Colina (1960) es garantía de calidad y solvencia musical.

Desde sus inicios musicales como bajo eléctrico de la Iruña Big Band, su impresionante carrera musical le ha llevado a tocar y a grabar junto a Chano Domínguez, formando parte de su trío; con Tete Montoliu, a quien acompañó en memorables tête à tête ; con grandes músicos cubanos como Compay Segundo, Pancho Amat y Bebo Valdés en el disco y gira Lágrimas negras y con músicos de jazz de todo el mundo.

Ha colaborado permanentemente en el arte de fusionar el flamenco con el jazz. Podría haber salido con cualquiera de estos palos en su disco pero debe haber sido que la influencia de Compay Segundo, Bebo Valdés y la Fort Apache Band fue demasiado intensa que decidió irse para Cuba y grabar en los legendarios estudios EGREM de la Habana, con un gran elenco de músicos cubanos de varias generaciones.

Junto con ellos, abordan diversos temas de diferentes palos, ejemplo de ello son los temas norteamericanos “Softly” y “Night and Day”, batidos a ritmo de son cubano.

También tenemos el placer de deleitarnos con la voz de Duquende interpretando “Dos Gardenias” y “He perdido Contigo”.

No podemos olvidarnos de la colaboración de Santiago Auserón en el tema “Ay, qué bueno “ que cierra un disco presidido por el acierto y calentito!

Y cómo dice éste último en la presentación del disco: “ La música de Javier Colina tiene virtudes especiales, es de una sinceridad abrumadora, esencial. Es desnudez del pensamiento y del sentir al mismo tiempo…”

A disfrutarlo.

siguiendo la sugerencia de Arantxa he decidido este mes poner como recomendación cinéfila la impresionante Cinema Paradiso.

y no es precisamente casualidad que un drama nostálgico producido en Italia tenga un 8,2 en filmaffinity con 11.347 votos y un 8,3 de 20.268 votos en imdb. ganadora del Oscar a la mejor película extranjera, premio Especial del Jurado en Cannes y Globo de Oro a la mejor película extranjera no son precisamente una casualidad.

dejando a un lado las cifras y los premios nos encontramos ante una de las películas que más ha emocionado al público en la historia del cine. nunca se había plasmado con tal sentimiento la nostalgia de un personaje a través de la gran pantalla. un homenaje al cine a través del Cinema Paradiso, la sala de un pequeño pueblo donde todos los habitantes de éste se daban cita para disfrutar de una nueva película como si de una fiesta se tratara. todo ello mostrado por los 2 personajes que trabajan en la pequeña sala de proyección.

como leí en una crítica: “Cinema Paradiso debería formar parte de ese puñado de películas elegidas que todo el mundo tendría que ver alguna vez, no sólo para ver buen cine, sino para formarse como ser humano.“

toda una obra maestra que nos conmueve y nos divierte por igual. centrándose en el sentimentalismo que nos ofrecen las cosas cotidianas envueltas por una melodia magistral, llena de tristeza y ternura. con un final lleno de encanto y nostalgia donde es prácticamente imposible no llorar.

Asegura Fernando Trueba que “Música para los amigos“ era, en origen, lo que dice el título. Un relajante cd que escuchaba en su coche y en su casa. Muchos amigos lo escuchaban y le pedían una copia.

Este disco es el primero del inicio de la colección, el ambiente que respira es recogido y crepuscular. Merece ser escuchado con todo su esplendor.

Descubrí este disco por casualidad, no me había documentado sobre él – normalmente lo suelo hacer – lo puse en el reproductor y al escuchar las primeras notas (“Canción y danza VI”) comencé a prestarle la atención que merecía.

Cuál fue mi sorpresa, al descubrir en la canción número cuatro y cinco, dos de los más bellos temas que he escuchado. “Adiós, Nonino” de Phil Woods , la belleza de sus notas desprenden un profundo, ahogado y angustioso lamento; y la versión del tema principal de Cinema Paradiso, una obra maestra para cualquier cinéfilo – obligaré a vittorio a hacer la próxima recomendación cinéfila – . Este tema corre a cargo de Charlie Haden y el famosísimo Pat Metheny.

Y así como hizo Fernando Trueba, yo os lo regalo… para mis amigos, sin más.

tras las buenas críticas que ha recibido la interpretación de Leonardo DiCaprio como Billy Costigan en la reciente Infiltrados, he recordado uno de sus últimos trabajos también realizado de manera brillante. se trata del personaje real Frank Abagnale en la vibrante Atrápame si puedes.

acompañado por uno de los mejores actores en la actualidad, Tom Hanks, esta película de Steven Spielberg nos narra la historia real de un joven delincuente que casi sin darse cuenta se convirtió en un criminal de los más buscados por múltiples fraudes bancarios haciendose pasar por piloto, doctor y abogado.

trepidante película donde durante más de 2 horas (quizás sobran los últimos 15 minutos) un astuto policía del FBI (Hanks) ve como el criminal al que busca (DiCaprio) se le escurre contínuamente de entre los dedos para acabar en un final sorprendente y original.

Spielberg muestra de manera dinámica y fascinante a ambos personajes al mismo nivel. no hay buenos ni malos, sino que nos hace ver a dos protagonistas humanos y con vidas totalmente opuestas. y como los dos se consideran dignos rivales e incluso se tienen algo de afecto y respeto. unas fantásticas interpretaciones de los dos actores que nos mantienen con la incertidumbre de cómo se acabarán encontrando el uno al otro.

una película que vale la pena atraparla y no dejarla escapar entre los dedos