Uno de los mayores genios de la música debía ser homenajeado en la gran pantalla como tal. Y parece que 8 estatuíllas (incluídas mejor película, director y actor principal) son un homenaje lo suficientemente grande.
Antonio Salieri (F. Murray Abraham), compositor de cámara del Emperador José II de Austria, narra en modo de flashback la increíble historia de Wolfgang Amadeus Mozart (Tom Hulce). Salieri, entregado por completo a su trabajo prometiendo castidad a Dios a cambio de seguir manteniendo sus dotes musicales, disfruta de su privilegiada posición dentro de la capital de la música en esa época. Los logros de un joven prodigioso llamado Mozart llegan a sus oídos, llamando su atención y su admiración… hasta que lo conoce. La decepción de que un personaje tan excéntrico tenga ese talento ‘celestial’ para la música lo desconciertan. A partir de ese momento su vida se convierte en una lucha interior entre el Salieri abrumado por el talento de Mozart, al que considera un elegido de Dios, y el Salieri que se muere por los celos y la envidia de no haber sido dotado de ese talento, y que hará lo imposible por hundirlo.
Hacía mucho tiempo que no tenía el placer de volver a ver esta película. Esta vez, y gracias al regalo de Arantxa, pude disfrutar de ella en su versión más extensa, la del montaje del director, con casi 3 horas de metraje. Y la verdad es que valió la pena. Pudimos disfrutar de unas escenas de ópera maravillosas y una música realmente prodigiosa (resaltar que las piezas musicales creadas por Wolfgang Amadeus Mozart aparecen hasta en un total de 392trabajos en cine y televisión. Impresionante).
Con un F. Murray colosal interpretando al maestro Salieri, lo que le llevó a conseguir la estatuilla, y con una gran dirección de un poco prolífero Milos Forman (18 películas en 46 años) consiguieron una gran adaptación de la obra del dramaturgo inglés Peter Shaffer, creador de grandes obras adaptadas a la gran pantalla. La manera cómo Murray expresa esa inmensa admiración que Salieri sentía al escuchar la música de Mozart, consumiéndose al mismo tiempo por los celos y la locura de no comprender de donde surgía ese talento musical, es impresionante. Así mismo, el trabajo de un gran Hulce tampoco se queda atrás recreando el talento natural del genio.
Hay una escena que se me quedó grabada desde la primera vez que la vi. En ella podemos ver la curiosa recepción del emperador de Austria a Mozart. Curiosa, como no, gracias a las excentricidades del joven Mozart y a su impresionante talento, ya que con sólo haber escuchado una sola vez la composición de bienvenida del maestro Salieri, es capaz de repetirla perfectamente al piano e improvisando sobre la misma, mejorándola notablemente a cada nota que incluía.
Pero después de volver a verla, he descubierto que el film está repleto de escenas memorables. En una de ellas, vemos como Salieri lee una partitura de Mozart emocionándose a cada nota que va leyendo, reconociendo que esa música no podía escribirse por casualidad, o por error. Otra escena inolvidable es cuando la mujer de Wolfgang se presenta en casa de Salieri con las partituras originales, y como el compositor de cámara comprueba perplejo que no hay ni una sola corrección en ninguna de ellas. Por último quiero recordar otra escena, mostrada únicamente en la versión del montaje del director, en la que un enfermo Mozart va dictando sobre la marcha y a toda prisa la ópera que solo existe en su cabeza. Además, el director juega maravillosamente con las notas musicales mientras los personajes describen lo escrito en la partitura.
Para los amantes de la ópera y del arte de la música por encima de todo, este film es absolutamente indispensable. Para mí, una auténtica obra maestra del séptimo arte.
Aprovechando que la última recomendación musical de Arantxa me ha recordado una de las mejores películas que he visto, he pensado que era el mejor momento de recomendarla.
Además, la escena que Arantxa nos enseñó es una de las mejores de la película (una pequeña muestra de lo que este grandísimo film puede ofrecernos). En ella, se mezclan un torbellino de sentimientos por parte de ambos protagonistas. Como la desgarradora emoción, pasión y rabia que siente Andrew Beckett (interpretado de manera magistral Tom Hanks) al escuchar y narrar la ‘mamma morta‘, mientras le observa su abogado, Joe Miller (gran trabajo de Denzel Washington) con una mezcla de asombro y respeto.
Este film narra la historia de Andrew Beckett (Hanks), un joven y prometedor abogado que trabaja en uno de los bufetes más prestigiosos de Philadelphia. Un día descubre que ha contraído el virus del sida. Mientras lucha contra la enfermedad mantiene su dedicación al trabajo, al tiempo que intenta esconder las marcas que el virus muestra a través de su piel. Al poco tiempo, sus jefes descubren los motivos de dichas marcas, y tras una extraña sucesión de errores en uno de los casos más importantes que lleva el joven abogado, es despedido. Al tener la sospecha de haber sido despedido a causa de su enfermedad, decide demandar al bufete. En la búsqueda de un abogado que lo defienda, sólo encuentra puertas cerradas ante su condición de homosexual y de enfermo de sida; hasta convencer a Joe Miller (Washington).
Philadelphia nos muestra la cara más cruel del ser humano. Aquella que discrimina a otro ser por el simple hecho de ser algo diferente. Ya sea diferente raza, cultura, sexualidad, condición religiosa, o cualquier otra cosa que se pase por la cabeza. Porque si algo demuestra el ser humano en estas situaciones, es sobretodo crueldad.
Con la mezcla de la magistral dirección de Demme (El silencio de los corderos), la impresionante interpretación de Tom Hanks (recibió su primer Oscar), la solvencia absoluta de Denzel Washington y una soberbia banda sonora (Oscar a la tremenda ‘Streets of Philadelphia‘), sólo podemos obtener una obra indispensable. Además, cargada con un alto contenido de crítica social.
Personalmente, es una de las películas que considero que todo el mundo debería ver. Por su contenido, su tono, sus interpretaciones y su crítica social. Me gustaría resaltar la escena final de la película. Óbviamente no la explicaré, pero la música y la recreación del ambiente jovial que reina en la sala me dejó un profundo sentimiento de nostalgia. Es una de esas escenas que guardo con cariño de entre las películas que he visto.
Resulta muy complicado explicaros una ópera sin extenderme demasiado. Trataré de explicaros en este post uno de lo arias más bellos y emotivos que he escuchado.
La ópera de Umberto Giordano se estrenó en la Scala de Milán en 1896. El argumento está basado en la vida de André Marie Chénier, un personaje real aunque la historia no lo sea ya que está adaptada a la dramatización tan característica de la escena musical.
Existen tres personajes principales: Andrea Chénier, Maddalena de Coigny (hija de la condesa de Coigny) y Carlo Gérard (mayordomo de la condesa y líder revolucionario).
Acto I: Estamos en la época previa a la Revolución Francesa. Chénier y Maddalena se conocen en casa de ésta, donde es invitado como joven promesa de las letras y es ridiculizado por su temperamento introvertido. Chénier, encolerizado y dolido, improvisa un poema lleno de patriotismo revolucionario y profunda crítica a la clase alta.
Por otro lado, Gérard (el mayordomo), aprovecha la ocasión para enfrentarse a su patrona y marcharse de su casa, sin descubrir su mayor secreto: que estaba profundamente enamorado de Maddalena.
Acto II: Han trascurrido cinco años y nos encontramos en plena Revolución Francesa encabezada por Robespierre y Jean-Paul Marat. Chénier se siente vigilado y sólo le queda la esperanza de encontrar el anhelado amor supremo. Lleva un tiempo recibiendo cartas anónimas de una mujer que le ruega su ayuda y cree que el destino le ha predestinado a esa mujer como su gran amor. Ésta resulta ser Maddalena de Coigny, quién perdió todas las posesiones que tenía a raíz de las persecuciones de Robespierre y es buscada por su origen noble.
Tienen la posibilidad de encontrarse y Chénier aprovecha para confesarle su amor, desde el primer día que la vio, al igual que ella, prometiéndose amor eterno aunque la muerte los amenace.
Los amantes son interrumpidos por Gérard, que se ha convertido en un importante líder del régimen. Éste ha buscado afanosamente a Maddalena porque no puede vivir sin ella. Chénier y Gérard se enzarzan en una pelea y Maddalena huye con Roucher (amigo de Chénier). Gérard es herido y Chénier encarcelado.
Acto III: Chénier ha sido detenido y Gérard aprovecha la detención para acusarlo y así poder estar más cerca de Maddalena. Son los celos y el apasionamiento lo que provocan esta decisión. Gérard, por tanto, firma el acta de acusación y es en ese momento en que llega Maddalena y se inicia un dúo en el que Gérard recuerda, cómo en el pasado estaba enamorado de ella desde que era pequeña. La narración de él se queda reducida a la nada ante el relato de Maddalena y es aquí donde se inicia el aria que os comentaba, la Mamma Morta: al inicio se observa una primera parte narrativa con un tono abatido – la muerte de su madre, el incendio de su casa y su soledad. Y una segunda parte conmovedora que alcanza brillantes momentos, destacando el final – “Ah, io son l´amore, io son l´amore, l´amore!”. Sus palabras cambian el tono amenazador de Gérard, que siente que ha cometido una gran injusticia y que está dispuesto a tratar de salvarlo ya que es difícil librarlo de las garras del tribunal. Gerard trata de interceder por Chénier en el tribunal, apelando a los falsos cargos con que lo acusara, pero el tribunal sediento de sangre y venganza, condena al poeta a muerte. Maddalena ante el inminente final, pide a Gérard morir con su amado, reemplazando a una joven condenada. Nada consigue librar del macabro fin a los jóvenes amantes, quienes se unen en un heroico final para enfrentar juntos la muerte terrenal de su amor, pero no la trascendental. Baja el telón mientras ellos salen del calabozo, camino de la guillotina.
Retomo la sección de literatura después de haber estado mucho tiempo sin actualizarla.
No sé si a vosotros os pasará igual pero a mí personalmente me cuesta mucho que una novela me marque. Suelo leer una media de 3-4 libros mensuales, muchas de ellas me gustan pero con el paso del tiempo me acabo olvidando de sus detalles, por eso puedo contar con los dedos de la mano las que tienen un significado especial para mí.
Por eso quería hablaros de Haruki Murakami y su novela Tokio Blues, siendo su nombre original Norwegian Wood (bosque noruego) título de una canción de los Beatles.
Sobre el autor: Nacido en Kioto en 1949, Haruki Murakami es hijo único de un matrimonio de profesores de Literatura japonesa. Sus años de estudiante se caracterizaron por su activismo en contra de la guerra del Vietnam y por la nueva izquierda. Tras licenciarse en 1973 en Teatro Clásico, Murakami regentó durante ocho años un jazz-bar en Tokio, al mismo tiempo que iniciaba su carrera literaria. Ha sido galardonado con el premio literario Yomiuri.
Sinopsis: Creía amarla, pero el pasado era un recordatorio palmario y perpetuo de sus carencias mutuas, y el presente, apenas un pozo en el que tirar recuerdos y sueños y mirar cómo caían hacia el fondo, lenta pero inexorablemente. Ella, Naoko, había sido la novia de su mejor amigo, Kizuki, hasta que éste se suicidó; y él, Watanabe, se arrastró desde entonces hacia un territorio a medio camino entre el deseo y la inercia. Allí se habían encontrado, en el campo abierto de la locura y la verdad desnuda, con una aceptación impuesta y a ratos desesperada, esquivando los miedos y deslizándose de puntillas sobre su amor, hasta que Naoko fue internada en un centro de reposo, en un intento por preservar los últimos lazos que la unían a la realidad.
Para Watanabe, a partir de entonces los días discurrirán entre su vida universitaria en Tokio, a la que nunca dejará de sentirse ajeno, sus lecturas y el ritmo regular y constante de sus pensamientos, empecinados en recrear sin descanso los acontecimientos mas nimios, los personajes más accidentales. Y las cartas de Naoko, escasas y exiguas, no logran rescatarlo de su soledad, el verbo fácil y transparente de Midori, caída como del cielo en el campo de acción de su fuerza gravitatoria, se convertirá en el espejo donde la realidad empiece por fin a adquirir consistencia.
La novela de Murakami gira en torno a la difícil adaptación al mundo de los afectos y las emociones de varios jóvenes que viven sus primeros años universitarios. A medida que avanza la lectura descubrimos un Watanabe más maduro, con una serenidad o peculiar equilibrio que lo aleja de la imagen de joven rebelde y asocial.
Este mes he decidido recomendar una película diferente, una película sobretodo original y atrevida. Porque si algo me sorprendió de esta película no fue su historia, sino la manera de contarla.
Leonard (Guy Pearce) tiene un grave problema en su cerebro. Tras recibir un golpe en la cabeza al intentar evitar el asesinato de su mujer, su memoria es incapaz de retener nuevos recuerdos. Todos los hechos que vive a partir de ese momento sólo es capaz de mantenerlos en su memoria unos pocos minutos. En esas condiciones, intentará vengar el asesinato de su mujer, utilizando para ello una cámara de fotos instantánea y tatuándose en el cuerpo cualquier dato importante que le ayude a encontrar al asesino.
Cuando ví esta película fue una de las que más me sorprendió. El guión es tremendamente original, pero la dirección es asombrosa. Nolan decide mostrar la historia de una manera totalmente inusual: hacia atrás en el tiempo. Y es la mejor manera de darte cuenta de lo que siente el protagonista. Cada escena es una sorpresa, es una trampa. Cada personaje que aparece engaña al protagonista. Y no sólo a él, sino también al espectador. A cada cambio de escena te sientes engañado. Y eso es maravilloso.
El film fue una de las sorpresas del 2000 recibiendo 2 nominaciones a los Oscar. Con una gran actuación de Pearce , también podemos ver en este film a una descuidada Carrie-Anne Moss en un papel diferente.
Para que os hagais una idea, en imdb.com (la gran base de datos cinéfila de internet) tiene un 8.6 de media de más de 171.000 votos. Justo por encima de películas como The Matrix, Taxi Driver o Apocalypse Now. No es casualidad, os lo aseguro.
Este mes, y para acabar el año, voy a tomarme dos licencias: la primera es recomendar una película que acabo de ver en cine antes de hacer su crítica (y que, por lo tanto, aún no tengo en DVD), y la segunda es recomendar por primera vez una película espanyola.
Como suele pasar, el ojo clínico de Guillermo del Toro no suele fallar, y tras leer el guión y conocer al director no dudó en apadrinar el proyecto convirtiéndose en su productor, y eso que era el debut en la dirección de Bayona.
Después de muchos años, Laura (Belén Rueda) regresa, junto a su marido (Fernando Cayo) y a su hijo, al orfanato en el que se crió de niña y que ahora se encuentra abandonado, con el fin de crear una residencia para niños discapacitados. La casa empieza a afectar al comportamiento de su hijo, que se deja llevar por unos amigos imaginarios, y los recuerdos vuelven a la memoria de Laura, que cada vez se inquieta más y más con la situación. Todo cambia con la desaparición del niño. El universo de Laura se tambalea poniendo en duda todo en lo que cree y comenzando a indagar en el pasado.
La película gira totalmente en torno a Belén, que está soberbia, y a sus recuerdos de niñez. Desde que la actriz madrileña decidió dar el salto a la gran pantalla, todas sus decisiones, pocas hasta la fecha, han sido grandes aciertos (no olvidemos su papel en Mar Adentro) y esta película vuelve a serlo. Por otro lado, no parece en absoluto un debut en la dirección, ya que el pulso y tensión del film se mantiene intacto durante toda la cinta, demostrando, como ya hizo en su día Amenábar con Los Otros, que en películas de terror suele funcionar mejor lo que se esconde que lo que se muestra en pantalla. La agonía es más duradera, dejándote contínuamente en una tensa espera.
De las cosas que más me han sorprendido han sido su fantástico guión y ambientación. La casa no solamente es perfecta para el film, sino que también está muy bien aprovechada en todas las escenas. Y hablando de escenas, me gustaría resaltar un par por encima de las demás: la primera, la escena de la sesión de espiritismo de la medium, con cámaras en blanco y negro y un sonido vía radio-frecuencia que ponía los pelos de punta; y la segunda, cuando Laura, ya sola en la casa, juega al ‘pica la pared’ esperando que aparezca alguien a sus espaldas.
Para mí, es sin duda una de las mejores películas espanyolas hasta la fecha.
Como ya os comenté en el post de Infiltrados, el mundo de la mafia es uno de mis géneros de cine favoritos. Por eso este mes he decidido recomendar la película que para mí es la auténtica obra maestra del género.
Con un reparto impresionante, un guión exquisito y una dirección perfecta, esta película se ha convertido en una de las indispensables del género. Y es que teniendo a Scorsese tras la cámara dirigiendo a actores de la talla de Robert de Niro, Sharon Stone, Joe Pesci, James Woods y un gran repertorio de caras conocidas en películas mafiosas, era de preveer que algo grande iba a suceder.
En Las Vegas, década de los 70, los grandes jefes de la mafia controlan el negocio de los casinos. No corren buenos tiempos y los capos deciden poner a Sam “Ace” Rothstein (de Niro), un corredor de apuestas profesional que ya les hacía ganar mucho dinero, como director del casino Tangiers, uno de los más importantes de la ciudad. Ace deberá encargarse así de vigilar a los tramposos y de que siga fluyendo la corriente de dinero que va a parar a manos de los grandes jefes, pero allí encontrará a Ginger (Stone), una buscavidas de la que se enamorará perdidamente. Los jefes no acaban de estar tranquilos y deciden mandar a Nicky Santoro (Pesci), un viejo amigo de Ace, para cubrirle las espaldas. La ciudad es un hervidero de millonarios, ladrones, estafadores y manotes; y junto con las drogas hacen que Nicky y Ginger se descontrolen. Esto, unido a los problemas entre Ace y Ginger hacen peligrar tanto el negocio, dejando al descubierto trapos sucios de la organización, como sus propias vidas.
Muchos de vosotros habréis oído hablar de ella en numerosos medios de comunicación haciendo referencia a sus problemas de adicción, alcoholismo, bulimia, anorexia, etc, etc.
No podemos negar que Amy es una chica verdaderamente conflictiva, pero su voz te eleva al mismo cielo o infierno, según se mire. Como éste es un apartado de críticas musicales, vamos a hablar de su disco que es de lo mejor que se ha publicado este año.
Amy nació en septiembre de 1983, procede de una familia judía y con tradición musical en el jazz. Creció escuchando distintos tipos de música, desde Salt n´Pepa a Sarah Vaughan. Esta influencia de la música negra quedó plasmada en su voz grave que rasga el alma.
En 2003 presentó su albúm debut, Frank, que fue nominado a los Premios Mercury Music y ganó un Ivor Novello Award en 2004 por su single “Stronger than Me”. En 2006 sacó su segundo disco “Back to Black”. Por este disco ha recibido numerosos premios, entre ellos ha alcanzado el platino en EEUU y como broche de oro ha alcanzado tres nominaciones a los MTV Video Music Awards 2007.
El disco Back to Black posee tanta fuerza no sólo por la voz de Amy. La producción de Mark Ronson y la categoría de sus músicos resulta impresionante, basta con escuchar la trompeta de Dave Guy, el saxo tenor de Neal Sugarman y el resto de la banda para darnos cuenta que ella es un elemento más del grupo. Han logrado que el álbum suene como un clásico de soul y no como un disco antiguo.
Las letras de este disco son generalmente de amor, pero de un amor de bella suciedad que se presenta de muchas formas a lo largo del disco. En el tema central del disco, “back to black” nos sitúa en una escena trágica de lecho llena de abandonos amargos, donde la decadencia llega a resultar adictiva y hermosa.
En “Just Friend” y en “You know I´m no good” el sexo y la culpa son protagonistas. En “Me and Mr Jones” las escenas de dramatismo se relajan para llegar a temas como “Tears dry on their own” o “He can only hold her” donde se aprecia un cierto optimismo, donde el amor pasa a ser un apoyo mutuo. Y en “Rehab”, hay una nota de humor, donde cuenta sus dudas sobre si debería ingresar en una clínica de desintoxicación, después de que una ruptura sentimental hace dos años la empujara por la pendiente del alcohol.
Resulta sorprendente como Amy ha sabido alcanzar la madurez como intérprete y en cambio, en su vida privada se comporta como una maniaco depresiva, con tendencia a drogarse y emborracharse a la menor ocasión. Esperemos que sepa aprovechar su carrera profesional y supere sus múltiples adicciones. Aunque si os digo la verdad me importa muy poco, mientras sea capaz de permanecer dos horas en un escenario y grabar un buen disco me conformo.
Dedicamos la recomendación gastronómica de este mes a la “bodega”, un espacio típicamente mediterráneo en el que existe la libertad de poder comer según el ritual de tapas y cazuelas.
Existe un lugar muy especial denominado Bodega Sepúlveda, regentado por la familia Solá desde 1954. Es de aquellos lugares en los que nunca prestarías atención. Como su nombre indica, está ubicado en la calle Sepúlveda, 173. Un viejo cartel de coca-cola en la puerta nos avisa que estamos en el lugar correcto y para asegurarnos sólo hay que fijarse en el expositor de cazuelas donde encontraremos desde cap i pota, habas catalanas, tortilla de bacalao al ajo arriero, atún picante, anchoas de Orio, patatas gratinadas con queso y anchoas, croquetas de queso, arroz con setas, secreto ibérico, gambas al ajillo,etc. Así hasta llegar a más de 80 opciones, a cual más apetitosa.
Si de verdad queremos disfrutar de esta bodega lo mejor es pedir información a la familia Solá y ver lo que comen nuestros vecinos, no sea que nos perdamos el foie, elaborado con una base de cebolla confitada y una reducción de Oporto o una perdiz a la vinagreta. El vino lo podemos encontrar a un precio asequible y lo podemos acompañar de un queso de cabrales. Finalmente, recomiendo como postre la naranja con dos chocolates y helado de vainilla, todo ello regado con licor Gran Marnier.
El espacio de este lugar, contribuye a crear una imagen de bodega que todos los habitantes de esta banda del mediterráneo tenemos en la memoria del placer y del gusto.
Pasión, miedo, ternura, odio, atracción y terror… estos sentimientos, totalmente opuestos, son los que siempre ha provocado un personaje tan misterioso y fascinante como el conde Drácula.
El conde Drácula ha sido, y aún es, uno de los personajes más fascinantes del siglo XIX. Creado por el escritor irlandés Bram Stoker, se cree que se basó en la figura del príncipe Vlad Tepes (el empalador), personaje del siglo XV que vivió en Transilvania. Conocido por haber sido el gobernante más temido en la Europa oriental por su carácter brutal y sanguinario, hijo de Vlad Dracul, y conocido por la crueldad con la que trataba a sus enemigos, a los que empalaba.
La historia del film nos lleva a la edad media, en Transilvania, cuando durante la guerra un soldado pierde a su amada. Desesperado y contrariado por no haber sido protegida por su dios vende su alma al diablo, convirtiéndose en vampiro. Cuatro siglos más tarde, ya como conde Drácula (Gary Oldman), continúa buscando la reencarnación de su amor, Elisabeta (Winona Ryder). Su búsqueda dará sus frutos al recibir la visita de un abodago de Londres, Jonathan Harker (Keanu Reeves), del que descubrirá que es el prometido de Mina Murray, la reencarnación de Elisabeta. Desde ese momento trazará un plan para retener a Harker y viajar a Londres en busca de su amada. Ya en Inglaterra extenderá un manto de seducción y terror tratando de recuperar el amor que hace tantos años le fue negado.
Este film es una de mis grandes predilecciones. Y eso que no soy fan del cine de terror, pero la ambientación, la música, la intensidad de las escenas y de sus personajes me maravilló. También es cierto que el tema vampírico siempre me ha gustado mucho, pero en este caso poco tiene que ver. Resaltar de la cinta la impresionante interpretación de Gary Oldman como el conde Drácula, la mejor de su carrera. También Anthony Hopkins, como suele ser habitual en él, está soberbio como el profesor Van Helsing. Una película de una calidad indiscutible, normal viniendo del gran Francis Ford Coppola, con una fotografía espectacular y una fantástica banda sonora.
Para mí, una auténtica obra maestra indispensable del cine de terror.
Origen del latín "Victor". Vencedor, victorioso. San Victor, oficial romano, fue precipitado al mar. Devuelto por las olas a la costa, cerca de Marsella, se le sepultó allí mismo. En el siglo IV se erigió un monasterio en aquel lugar. Durante mucho tiempo, este nombre, ya utilizado por los romanos, tuvo un sentido místico (la victoria de Cristo), y volvió a ponerse de moda tras la Revolución Francesa.
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Antonio Salieri (F. Murray Abraham), compositor de cámara del Emperador José II de Austria, narra en modo de flashback la increíble historia de Wolfgang Amadeus Mozart (Tom Hulce). Salieri, entregado por completo a su trabajo prometiendo castidad a Dios a cambio de seguir manteniendo sus dotes musicales, disfruta de su privilegiada posición dentro de la capital de la música en esa época. Los logros de un joven prodigioso llamado Mozart llegan a sus oídos, llamando su atención y su admiración… hasta que lo conoce. La decepción de que un personaje tan excéntrico tenga ese talento ‘celestial’ para la música lo desconciertan. A partir de ese momento su vida se convierte en una lucha interior entre el Salieri abrumado por el talento de Mozart, al que considera un elegido de Dios, y el Salieri que se muere por los celos y la envidia de no haber sido dotado de ese talento, y que hará lo imposible por hundirlo.
Sinopsis: Creía amarla, pero el pasado era un recordatorio palmario y perpetuo de sus carencias mutuas, y el presente, apenas un pozo en el que tirar recuerdos y sueños y mirar cómo caían hacia el fondo, lenta pero inexorablemente. Ella, Naoko, había sido la novia de su mejor amigo, Kizuki, hasta que éste se suicidó; y él, Watanabe, se arrastró desde entonces hacia un territorio a medio camino entre el deseo y la inercia. Allí se habían encontrado, en el campo abierto de la locura y la verdad desnuda, con una aceptación impuesta y a ratos desesperada, esquivando los miedos y deslizándose de puntillas sobre su amor, hasta que Naoko fue internada en un centro de reposo, en un intento por preservar los últimos lazos que la unían a la realidad.
Leonard (
Este mes, y para acabar el año, voy a tomarme dos licencias: la primera es recomendar una película que acabo de ver en cine antes de hacer su crítica (y que, por lo tanto, aún no tengo en DVD), y la segunda es recomendar por primera vez una película espanyola.
Muchos de vosotros habréis oído hablar de ella en numerosos medios de comunicación haciendo referencia a sus problemas de adicción, alcoholismo, bulimia, anorexia, etc, etc.
vittorio
Arantxa
The flaco
