El Auditori se rinde a Bebo y Chucho Valdés

No había una mejor manera de estrenar el 40 Festival de Jazz de Barcelona, que con los dedos mágicos de un adorable viejito cubano, y su alumno más avanzado. Padre e hijo, sentados frente a frente, ofrecieron un espectáculo digno de los más grandes. De los que quedan en la retina. Y perduran en el alma.

Anoche asistimos a una de esas veladas irrepetibles. Inolvidables. El maestro Bebo, a sus 90 años, se ha convertido en un mito de la música. Un referente y uno de los creadores del famosísimo Son Cubano. Y siguiendo sus pasos su hijo Chucho, absorbiendo toda la sabiduría que puede de su padre y demostrando su calidad con creces.

Que grande es ver a dos genios del piano improvisando frente a frente. Dándose pie el uno al otro como si de un partido de tenis se tratase. Y que buena es esa sensación de notar como el público aguanta la respiración sin aplaudir por no perderse, ni estropear, ni una sola nota.

Tras el segundo bis de la noche, padre e hijo juntaron sus banquetas y compartieron teclado. Que momento. Tras el cual llegó el tercer, y ya último, bis en el que Bebo se quedó solo. Y en ese instante tuve la sensación de que si ese viejito hubiese querido seguir tocando hasta las tres de la madrugada, todos nos hubiésemos quedado sin dudarlo un segundo.

Aquí os dejo un vídeo de La Vanguardia sobre el evento, en el que el gran Bebo recibió la medalla de oro del Festival (primera vez que se entrega):

Que grande eres, Bebo. Perdurarás para siempre en nuestro corazón.

Umberto Giordano (1867-1948): Andrea Chénier y la Mamma Morta

Resulta muy complicado explicaros una ópera sin extenderme demasiado. Trataré de explicaros en este post uno de lo arias más bellos y emotivos que he escuchado.

La ópera de Umberto Giordano se estrenó en la Scala de Milán en 1896. El argumento está basado en la vida de André Marie Chénier, un personaje real aunque la historia no lo sea ya que está adaptada a la dramatización tan característica de la escena musical.

Existen tres personajes principales: Andrea Chénier, Maddalena de Coigny (hija de la condesa de Coigny) y Carlo Gérard (mayordomo de la condesa y líder revolucionario).

Acto I: Estamos en la época previa a la Revolución Francesa. Chénier y Maddalena se conocen en casa de ésta, donde es invitado como joven promesa de las letras y es ridiculizado por su temperamento introvertido. Chénier, encolerizado y dolido, improvisa un poema lleno de patriotismo revolucionario y profunda crítica a la clase alta.
Por otro lado, Gérard (el mayordomo), aprovecha la ocasión para enfrentarse a su patrona y marcharse de su casa, sin descubrir su mayor secreto: que estaba profundamente enamorado de Maddalena.

Acto II: Han trascurrido cinco años y nos encontramos en plena Revolución Francesa encabezada por Robespierre y Jean-Paul Marat.
Chénier se siente vigilado y sólo le queda la esperanza de encontrar el anhelado amor supremo. Lleva un tiempo recibiendo cartas anónimas de una mujer que le ruega su ayuda y cree que el destino le ha predestinado a esa mujer como su gran amor. Ésta resulta ser Maddalena de Coigny, quién perdió todas las posesiones que tenía a raíz de las persecuciones de Robespierre y es buscada por su origen noble.
Tienen la posibilidad de encontrarse y Chénier aprovecha para confesarle su amor, desde el primer día que la vio, al igual que ella, prometiéndose amor eterno aunque la muerte los amenace.
Los amantes son interrumpidos por Gérard, que se ha convertido en un importante líder del régimen. Éste ha buscado afanosamente a Maddalena porque no puede vivir sin ella.
Chénier y Gérard se enzarzan en una pelea y Maddalena huye con Roucher (amigo de Chénier).
Gérard es herido y Chénier encarcelado.

Acto III: Chénier ha sido detenido y Gérard aprovecha la detención para acusarlo y así poder estar más cerca de Maddalena. Son los celos y el apasionamiento lo que provocan esta decisión.
Gérard, por tanto, firma el acta de acusación y es en ese momento en que llega Maddalena y se inicia un dúo en el que Gérard recuerda, cómo en el pasado estaba enamorado de ella desde que era pequeña. La narración de él se queda reducida a la nada ante el relato de Maddalena y es aquí donde se inicia el aria que os comentaba, la Mamma Morta: al inicio se observa una primera parte narrativa con un tono abatido – la muerte de su madre, el incendio de su casa y su soledad. Y una segunda parte conmovedora que alcanza brillantes momentos, destacando el final – “Ah, io son l´amore, io son l´amore, l´amore!”. Sus palabras cambian el tono amenazador de Gérard, que siente que ha cometido una gran injusticia y que está dispuesto a tratar de salvarlo ya que es difícil librarlo de las garras del tribunal.
Gerard trata de interceder por Chénier en el tribunal, apelando a los falsos cargos con que lo acusara, pero el tribunal sediento de sangre y venganza, condena al poeta a muerte.
Maddalena ante el inminente final, pide a Gérard morir con su amado, reemplazando a una joven condenada. Nada consigue librar del macabro fin a los jóvenes amantes, quienes se unen en un heroico final para enfrentar juntos la muerte terrenal de su amor, pero no la trascendental. Baja el telón mientras ellos salen del calabozo, camino de la guillotina.

Os dejo con un fragmento de la película Philadelphia, donde Tom Hanks narra la escena donde aparece el aria de la Mamma Morta.

Espero que os guste.

Poesía para los oídos

Hace un tiempo estuvimos debatiendo en el post de la Mala la importancia de entender o no la letra de las canciones. Hubo mucha polémica y rajadas, algunos defendiendo el mensaje de las canciones, otros simplemente pasando de ellas.

Lo que no comenté en aquel debate es que entonces llego a la conclusión de que para aquellos que tanta importancia le dan al mensaje de las letras, no existe un estilo de música tan maravilloso como la música clásica.

Para mí, la música que más me ha emocionado en toda mi vida es la música instrumental, o clásica, como querais llamarla. Música en estado puro, limpia y sin ninguna voz que la moleste. Llegué a conocer este estilo gracias a las bandas sonoras de las películas, como buen cinéfilo que soy, y desde entonces he sido un fan de ella. No me he podido despegar y de tanto en tanto necesito escucharla.

Aquí os dejo una muestra de la grandeza de esta música. Una pieza maravillosa que forma parte de la banda sonora de “El pianista” de Roman Polanski, “Nocturne in C minor, Posthumous” de Frédéric Chopin interpretada aquí por Wladyslaw Szpilman, pianista polaco que interpreta Adrien Brody en la película.

Esto sí que es auténtica poesía.

Amy Winehouse: “Back to Black “

Muchos de vosotros habréis oído hablar de ella en numerosos medios de comunicación haciendo referencia a sus problemas de adicción, alcoholismo, bulimia, anorexia, etc, etc.

No podemos negar que Amy es una chica verdaderamente conflictiva, pero su voz te eleva al mismo cielo o infierno, según se mire. Como éste es un apartado de críticas musicales, vamos a hablar de su disco que es de lo mejor que se ha publicado este año.

Amy nació en septiembre de 1983, procede de una familia judía y con tradición musical en el jazz. Creció escuchando distintos tipos de música, desde Salt n´Pepa a Sarah Vaughan. Esta influencia de la música negra quedó plasmada en su voz grave que rasga el alma.

En 2003 presentó su albúm debut, Frank, que fue nominado a los Premios Mercury Music y ganó un Ivor Novello Award en 2004 por su single “Stronger than Me”. En 2006 sacó su segundo disco “Back to Black”. Por este disco ha recibido numerosos premios, entre ellos ha alcanzado el platino en EEUU y como broche de oro ha alcanzado tres nominaciones a los MTV Video Music Awards 2007.

El disco Back to Black posee tanta fuerza no sólo por la voz de Amy. La producción de Mark Ronson y la categoría de sus músicos resulta impresionante, basta con escuchar la trompeta de Dave Guy, el saxo tenor de Neal Sugarman y el resto de la banda para darnos cuenta que ella es un elemento más del grupo. Han logrado que el álbum suene como un clásico de soul y no como un disco antiguo.

Las letras de este disco son generalmente de amor, pero de un amor de bella suciedad que se presenta de muchas formas a lo largo del disco. En el tema central del disco, “back to black” nos sitúa en una escena trágica de lecho llena de abandonos amargos, donde la decadencia llega a resultar adictiva y hermosa.

En “Just Friend” y en “You know I´m no good” el sexo y la culpa son protagonistas. En “Me and Mr Jones” las escenas de dramatismo se relajan para llegar a temas como “Tears dry on their own” o “He can only hold her” donde se aprecia un cierto optimismo, donde el amor pasa a ser un apoyo mutuo. Y en “Rehab”, hay una nota de humor, donde cuenta sus dudas sobre si debería ingresar en una clínica de desintoxicación, después de que una ruptura sentimental hace dos años la empujara por la pendiente del alcohol.

Resulta sorprendente como Amy ha sabido alcanzar la madurez como intérprete y en cambio, en su vida privada se comporta como una maniaco depresiva, con tendencia a drogarse y emborracharse a la menor ocasión. Esperemos que sepa aprovechar su carrera profesional y supere sus múltiples adicciones. Aunque si os digo la verdad me importa muy poco, mientras sea capaz de permanecer dos horas en un escenario y grabar un buen disco me conformo.

Si queréis saber qué pasa por su cabeza, os reseño una entrevista publicada en El Mundo el pasado mes de septiembre.

Esperemos que sea capaz de publicar otro disco y no se quede en el camino.

Miguel Poveda “Desglaç”

Hacía tiempo que quería recomendar este disco.

Para aquellos que no sepáis quién es Miguel Poveda os diré que es un cantaor de flamenco nacido en Badalona en el año 1973. Resultaba curioso, que siendo catalán, sin raíces andaluzas y payo, tuviera ese talento y el carisma suficiente para subirse encima de un escenario y emocionar a los más sabedores en este arte.

Muchos son los proyectos que ha desarrollado desde los 14 años que comenzó su carrera profesional, aunque he decidido centrarme en uno de sus discos que para mí resulta especial por la particularidad del mismo.

El 20 de noviembre de 2.005, Miguel Poveda presentaba en el Auditori de Barcelona su disco Desglaç. Los más puristas se pusieron las manos en la cabeza al escucharlo. Producido por Taller de Músics de Barcelona y Discmedi, Poveda recoge una selección de poemas en lengua catalana con aires flamencos.

Esta idea surgió con motivo del centenario de la muerte de Verdaguer, ya que le pidieron que cantara algún texto del poeta catalán, tema que recoge el disco
“A mos bescantadors“. A partir de entonces desde el Taller de Músics de Barcelona, le animaron a hacer un disco en catalán, y ahí se inició la nueva aventura.

Lo más complicado de este trabajo, fue la elección de los poemas, tres años de dedicación y aprendizaje para descubrir lo que encerraban aquellos poemas. Miguel pretendía que los textos fueran lo fundamental del disco: “La música había de estar al servicio de la poesía y no al revés”..

Finalmente, encontró la inspiración en poemas de Verdaguer, Maria Mercè Marçal, Gabriel Ferrater, Brossa, Valentí Gómez, Casasses, Comadira, Margarit, Piera, Barceló y Sebastià Alzamora.

Desglaç no es exclusivamente un disco de flamenco. Hay aires de jazz, de bolero, de tango, orientales y otros ritmos. Podremos escuchar la guitarra de Chicuelo, el bandoneón de Marcelo Mercadante, el piano de Amargós, la armónica de Antonio Serrano y la voz de Moncho acompañándole a ritmo bolero jazzístico y rumbero en “No et veuré mes” o la de Miguel Gil cantando en “Boca seca“.

La música no entiende de fronteras ni de esencialismos y el arte de Miguel Poveda es capaz de despuntar por encima de tópicos.

Os dejo con la letra de “Final”, un poema de Joan Brossa que dedicó a “Sa Excremència” veinticinco años antes, exactamente el 20 de Noviembre de 1975.

-Havies d’haver fet una altra fi;
et mereixies, hipòcrita, un mur aun altre clos.
La teva dictadura,la teva puta vida d’assassí,
quin incendi de sang! Podrit botxí,
prou t’havia d’haver estovat la dura
fosca dels pobles, donat a tortura,
penjat d’un arbre al fons d’algun camí.
Rata de la més mala delinqüència,
t’esqueia una altra mort amb violència,
la fi de tants des d’aquell juliol.
Però l’has feta de tirà espanyol,
sol i hivernat, gargall de la ciència
i amb tuf de sang i merda.
Sa Excremència!
-Glòria del bunyol,
ha mort el dictador més vell d’Europa.
Una abraçada, amor, i alcem la copa!

20 de novembre de 1975

John Mayer: Continuum

Descubrí a este artista por casualidad. Estaba escuchando la banda sonora de Anatomía de Grey, donde esta incluida la balada “Gravity”, tema que aparece en el último álbum de John Mayer.

John Clayton Mayer es un cantante, compositor y guitarrista americano ganador de varios Grammy Award. Nació en Atlanta en 1977. Comenzó cantando canciones pop de gran sensibilidad acústica y se movió desde entonces hacia el soul y el blues, sin perder su capacidad para las melodías y las letras inteligentes.

Podría hablar de sus trabajos anteriores, pero prefiero centrarme en su último álbum, Continuum que fue lanzado en septiembre de 2.006. Mayer, con este disco, ha conseguido un sonido único, su voz suena pequeña pero con el suficiente registro para ser personal.

El primer sencillo de Continuum es “Waiting on the World to Change”, una canción en tono pacifista y con letras claramente politizadas y anti-Bush.

Le sigue la canción “Don´t Trust Myself (With Loving You)”, ejemplo de la genialidad de Continuum. Resulta un ritmo evocativo de Al Green y Marvin Gaye: falsetos, trompetas de fondo y sólo de guitarra de blues que le da el toque extra. Desprende sensualidad por los cuatro costados.

Después existen baladas acústicas como “Stop This Train”, baladas de piano como “Dreaming With a Broken Heart” y baladas blues instrospectivas como “Gravity”, con la que descubrí a Mayer.

Dentro de este álbum existe un tema de Jimi Hendrix, “Bold as Love”, una versión correcta y respetuosa al mismo tiempo. Resulta bastante distinta de la original, por tanto no sería correcto clasificarla como una simple imitación.

Existe un tema, “The Heart of Life”, donde realiza un tierno homenaje a la vida: (El dolor derribará tu corazón al suelo / El amor dará vuelta a todo el asunto / No, no todo va a salir tal como debiera / Pero yo sé que el corazón de la vida es bueno. Tan simple como inapelable: más allá de las injusticias terribles, más allá de las tragedias personales, el corazón de la vida es bueno, esto es algo en lo que creo con todo mi ser.)

Y, finalmente, están aquellas canciones que suenan en un bar elegante vacío mientras ahogas tus penas con unas copas de whisky. “Show Dancing in A Burning Room” y “I´m Gonna Find Another You”. Estos temas muestran que la pasión de John Mayer por el blues no es un fetiche pasajero de niño blanco. Va mucho más allá y lo transmite con su música.

el “Mika” inclasificable

A estas alturas, es muy probable, que muchos de vosotros hayáis oído hablar de este fenómeno. Ha sido todo un descubrimiento para la música británica, aunque Mika Penniman llevaba cinco años llamando a numerosas discográficas sin éxito, ya que consideraban que su estilo resultaba inclasificable, demasiado raro para la escena comercial y demasiado melódico para la escena indie.

Nacido en Líbano, de nacionalidad británica y con 23 años, su disco Life in Cartoon Motion, supone un éxito, no tan sólo por sus espectaculares cifras de ventas, sino porque antes de tener un contrato discográfico, más de medio millón de personas ya habían oído su trabajo a través de la página MySpace.

Destaca las múltiples facetas que puede llegar a adoptar, tanto en el plano musical como en la estética y en la actitud – sólo hay que ver alguno de sus vídeos musicales -

Si hablamos de influencias, aparecerían artistas de la talla de Freddie Mercury, Bob Dylan, Prince o Rufus Wainwright.

Llega a mezclar la bohemia con el barroco, lo despeinado y lo impecable, lo femenino y lo masculino, la innovación, lo clásico…en fin, un trabajo realmente colorista y original al 100%.

Temas a destacar:

1. Grace Kelly, que se lanzó como primer single y en determinados momentos y salvando las distancias llega a poseer la elasticidad vocal de Mercury.
2. El tema Billy Brown, en la que habla de un hombre que descubre su homosexualidad.
3. Relax, take it easy, en la que pide disculpas por adelantado a aquellas personas cuyas historias tomó prestadas pero a las que ha convertido en una caricatura.
4. Love today, tema que se acerca al glam y segundo single de este disco.
5. Lollypop, que es una bailable canción de los años sesenta.
6. Happy Ending, donde coquetea con el soul.
7. Over my shoulder, que combina la solemnidad de un piano clásico con su falsete llevado a la máxima expresión.

Recomendado para todos los públicos y para todos los estilos. no os defraudará.

James Morrison pero no Rey Lagarto

Sólo su nombre resulta mágico y poderoso, James Morrison, al escuchar estas palabras quién no recuerda al inigualable James Douglas Morrison, conocido como el Rey Lagarto.

A pesar de compartir nombre y apellido sus estilos son completamente antagónicos. Este chico acaba de cumplir 22 años y es una joven promesa dentro del panorama de la música británica. Su disco “Undiscovered” presenta a un cantautor de voz poderosa, con un toque de soul que nos recuerda a artistas de la talla de Otis Redding, Marvin Gaye o Stevie Wonder. El propio artista reconoce sus influencias indicando que le encanta la crudeza y la emoción de este tipo de música. Comenta que eso era lo que quería aprender, cómo ofrecer emoción y os aseguro que lo consigue y con creces.

Sus letras están inspiradas en una infancia y adolescencia conflictivas.

Destacar temas como “You give me something”, “Wonderful world ” o el tema que da título al disco, “Undiscovered” que sin duda es uno de los temas más emotivos.

“ Está inspirada en un amigo que he conocido desde los tres años. Ahora no está en su mejor momento, está perdido, no sabe dónde va. Me hace pensar que hay mucha gente ahí que podrían ser absolutamente sorprendentes en algo, pero sencillamente no tienen la oportunidad o no han sabido descubrir eso en lo que pueden ser tan buenos”, explica James.

Disco muy recomendado.

Arantxa

la Mala y sus Malamarismos

Después de tener abandonada mi sección de críticas musicales, reaparezco y fuerte con un temazo de la grandiosa Mala Rodríguez. Atención a aquellos que se consideren fans y adictos a su música porque la grande vuelve y lo hace a lo grande con un single llamado “Por la noche”, tema que forma parte de la banda sonora de “Yo soy la Juani”, última película del tristísimo director Bigas Luna ( es mi más sincera opinión ).

Pero como yo soy la crítica musical y no de cine, para eso tenemos a Vittorio, os comento que de momento no han informado de la fecha del esperado disco, titulado “Malamarismo”, eso sí, comentan que se publicará esta primavera. Estaré a la expectativa para informaros de las novedades.

Este nuevo disco aparece después de 3 años sin publicar y de haber realizado una extensa gira por 16 países con artistas de la talla de Kiko Veneno, Antonio Carmona o Akon. Con Antonio Carmona interpreta el tema “Ay de tí” en su último disco “Vengo Venenoso”.

Esperamos impacientes su disco, porque como suele decir en sus canciones:

Yo tengo lo que tú quieres !!!!

Arantxa. 

si te contara

Quería finalizar las recomendaciones musicales de este año dejándoos un buen sabor de boca, y qué mejor forma de hacerlo que con la improvisación del contrabajista Javier Colina, que aparece por primera vez en un disco como líder.

Considerado uno de los mejores contrabajistas de la escena europea actual, dotado de una maestría y un genio excepcionales y aclamado por la crítica especializada, Javier Colina (1960) es garantía de calidad y solvencia musical.

Desde sus inicios musicales como bajo eléctrico de la Iruña Big Band, su impresionante carrera musical le ha llevado a tocar y a grabar junto a Chano Domínguez, formando parte de su trío; con Tete Montoliu, a quien acompañó en memorables tête à tête ; con grandes músicos cubanos como Compay Segundo, Pancho Amat y Bebo Valdés en el disco y gira Lágrimas negras y con músicos de jazz de todo el mundo.

Ha colaborado permanentemente en el arte de fusionar el flamenco con el jazz. Podría haber salido con cualquiera de estos palos en su disco pero debe haber sido que la influencia de Compay Segundo, Bebo Valdés y la Fort Apache Band fue demasiado intensa que decidió irse para Cuba y grabar en los legendarios estudios EGREM de la Habana, con un gran elenco de músicos cubanos de varias generaciones.

Junto con ellos, abordan diversos temas de diferentes palos, ejemplo de ello son los temas norteamericanos “Softly” y “Night and Day”, batidos a ritmo de son cubano.

También tenemos el placer de deleitarnos con la voz de Duquende interpretando “Dos Gardenias” y “He perdido Contigo”.

No podemos olvidarnos de la colaboración de Santiago Auserón en el tema “Ay, qué bueno “ que cierra un disco presidido por el acierto y calentito!

Y cómo dice éste último en la presentación del disco: “ La música de Javier Colina tiene virtudes especiales, es de una sinceridad abrumadora, esencial. Es desnudez del pensamiento y del sentir al mismo tiempo…”

A disfrutarlo.