François Boucher: El rapto de Europa (1747)

Probablemente este cuadro estaba destinado a alguna sala de Versalles o a algún palacio de recreo de los que Luis XV, rey de Francia, regalaba a su amante, la marquesa de Pompadour. El gusto de ésta se conoce como estilo Pompadour o rococó.

El cuadro se pintó para un concurso convocado en 1747 entre los pintores más famosos de Francia.
Boucher eligió un episodio de la mitología griega, una de las muchas aventuras amorosas de Zeus, el padre de los dioses.
Europa era la bella hija de Agenor, rey de Tiro. Un día, mientras la joven jugaba en la playa, Zeus la vio e intentó acercarse a ella. Para ello se transformó en un toro blanco y resplandeciente. Consiguió ganarse su confianza mediante su belleza y su dulzura. Europa se sentó en su lomo y sus compañeras le trajeron flores. Pero de repente, el dios dio un salto, raptó a la princesa y se la llevó a Creta por mar. Divinidades con cola de pez observan la escena, mientras que un grupo de putti desnudos agitan el velo y la antorcha de boda.

Producto de la unión entre Europa y Zeus nacieron tres hijos: Minos, Sarpedón y Radamantis. Al cabo del tiempo Zeus se lanzó a nuevas conquistas y casó a Europa con el rey de Creta que, como no tenía hijos, adoptó a los de Europa.
De los tres hijos el más famoso es Minos, de cuya familia nacerá posteriormente el peligroso Minotauro, monstruo con cabeza de toro y cuerpo humano.
Tras su muerte, Europa recibió honores divinos como premio por haberle dado tres hijos a Zeus. El toro, cuya forma había adoptado Zeus, se transformó en la constelación que hoy se conoce como Tauro y fue incluido entre los signos del zodíaco.

El rapto de Europa ha sido representado por muchos pintores, como por ejemplo Tiziano, Giordano, Albani, etc.

Si nos fijamos en el toro (Zeus camuflado), se muestra dócil y atado con una cinta de seda azul, con los cuernos pulimentados y las pezuñas juntas, en actitud devota. Pero fijaros en su lengua que se relame lascivamente, con lo que revela sus verdaderas intenciones.

El mito de Europa gozaba de un cierto prestigio desde la década de 1720. Sirvió de inspiración para numerosas representaciones artísticas: óperas, teatro, ballet, etc. Esta moda se prolongó hasta la década de 1770, cuando se compuso en Milán una ópera firmada por Antonio Salieri, el eterno rival de Mozart.

Sobre las modelos para Europa se han llegado a decir muchas cosas, entre ellas que ese cuerpo esbelto, seductor, con los pechos pequeños y altos, cabeza adornada y aspecto vivo corresponde a Madame Pompadour, sin embargo, hay otras hipótesis que barajan la posibilidad de que fuera Marie-Jeanne Buseau, esposa de Boucher.

Sobre los putti: a pesar de ser seres infantiles y andróginos, aportan la nota sensual a la escena de seducción, junto con la lasciva lengua del toro. En tiempos de Boucher, había una gran demanda de cuadros con aventuras eróticas, que se pusieron de moda bajo el calificativo de “mitología galante”. Boucher brilló en este género y lo colmaron de encargos, sobre todo después de que Madame Pompadour se convirtiera en la amante real del rey.
Sus putti, no son nada reales, están bien alimentados, felices y danzando libremente, no tienen nada que ver con los bebés del siglo XVIII. Si no acababan en el orfanato se les enviaba al campo con una nodriza de pago y morían a montones como consecuencia de la falta de cuidados y la mala alimentación.

Boucher fue recompensado con cargos influyentes y llegó a cobrar entre 4.000 y 6.000 libras (pensad que el jornal de un artesano apenas alcanzaba una libra) pero los tiempos se pusieron difíciles cuando estalló la guerra de los Siete Años y pronto estallaron los primeros disturbios populares. Era la época de la Ilustración: los valores ciudadanos como la virtud, la moral y la lealtad desplazaron a la frivolidad. El filósofo Diderot definió a Boucher como “el enemigo mortal del equilibrio, que nunca ha conocido la verdad”.
Con estas palabras Diderot proclamó el clasicismo que impusieron pintores como Jacques-Louis David.

Boucher sobrevivió al rococó y cuando murió, en 1770, ya era un pintor prácticamente olvidado.
La obra se encuentra en París, en el Museo del Louvre.

Gustav Klimt: El beso (1907/08)

¿Quién no ha visto en numerosas ocasiones esta imagen? ya sea en láminas, pósters, impresiones, etc. Yo, por ejemplo, conocí este cuadro a través de la película “Elegir un Amor”, protagonizada por Julia Roberts. Sea como sea, la cuestión es que “El beso” de Gustav Klimt continua fascinando después de 100 años de su creación.

La Viena de Gustav Klimt –la Belle Epoque de fin de siglo- se enclava en una de las más fascinantes épocas de la Historia del arte y de la cultura. La burguesía como clase social dominante –temida por su afición a la pompa, sus suntuosos banquetes, su enfermiza adicción al placer- actúa como un catalizador en este florecimiento cultural.
De este “laboratorio” brota también el arte de Klimt. El espectador se siente cautivado por la voluptuosidad del dibujo, el trazado caleidoscópico de los trabajos, la belleza del ornamento y el gusto por descifrar los secretos de los cuadros. Pero la mayor fascinación la ejerce el tema central de Klimt: la belleza de las mujeres.

El erotismo era un tema obsesivo de la época: Freud es incapaz de contemplar un objeto sin interpretarlo como túrgido, y no puede ver una apertura sin tematizar la penetración. Incluso Adolf Loos relaciona, en su arte antiornamental reducido a ortogonales, las líneas horizontales con la mujer y las verticales con el hombre.
En el mundo de Klimt aparecen constantemente polen y pistilos, semen y óvulos en los cuerpos, en las vestimentas e incluso en la naturaleza. Todo este derroche de erotismo se ve enfrentado con la Viena decadente, marcada por la hipócrita represión victoriana y por tanto con el rechazo hacia sus obras. Es por este motivo que Klimt ornamenta sus obras y camufla el verdadero significado con miles y miles de detalles.

Por ejemplo, para conservar las apariencias viste a las mujeres que no puede pintar desnudas con opulentos atuendos que cubren su desnudez y, sin embargo, llaman la atención sobre esa desnudez oculta. Muchos de los detalles distraen la atención sobre el auténtico mensaje: peinados ondeantes, estilizadas flores, decoración geométrica, sombreros extravagantes, enormes manguitos de piel. Pero son estos añadidos los que refuerzan la irradiación erótica de las mujeres, los que ponen el erotismo en escena.
En los últimos cuadros son curvas y espirales, composiciones piramidales, torbellinos místicos, cúmulos de colores chillones los que inundan las composiciones. Así, mediante la diversidad de la decoración entorno a la retratada, surgen un mundo propio que nos secuestra en los misterios del inconsciente y en los laberintos del espíritu.

“El beso” de Klimt ha sido comparado, no sin un deje de ironía, a la Mona Lisa, pues ambos cuadros ejercen, en la complejidad del significado, una fascinación similar. Hay quien ve en este cuadro una evolución de la obra de Klimt, en base a que ahora puede pintar una unión donde hasta entonces había tematizado, sobre todo, la lucha de los sexos. Otros, por el contrario, opinan que Klimt no ha cambiado su forma de ver el mundo y que también en esta obra describe, de un modo más sutil, la imposibilidad de la satisfacción, consecuencia de las tensiones entre el hombre y la mujer.
Estas formas ornamentales cuadradas para el hombre y circulares para la mujer, ¿significan complementación o antagonismo?
¿No parecen guardar una cierta distancia estas dos personas, a pesar del abrazo, como si no existiera relación alguna entre ellas? Esta vez es claramente el hombre quien domina y toma la iniciativa del beso. La mujer parece soportarlo con resignación, pero sus manos se contraen convulsivamente, los dedos de sus pies arañan la roca: ¿placer o ira? Klimt conoce a fondo la relación ambigua entre las eternamente figuras de Adán y Eva, pues se ha representado a sí mismo con Adán y tiene en sus brazos a Emilie Flöge, su amante.

En cualquier caso, los mantos envolventes restan fuerza a la directa representación sexual. Con virtuosos acordes de colores, Klimt se acerca a los iluministas del imperio ostroromano. El oro rodea a la pareja con un aura, y el valioso material presta también al cuadro la apariencia de un impresionante tesoro. Todos estos trucos transforman el tema tabú, que es el beso, en una versión que no sólo escapa a la crítica, sino que además conquista el entusiasmo del público y la aceptación de la burguesía puritana.

La jugada de Klimt fue tan buena, que su contribución al arte europeo moderno es por fin reconocida. Aún antes del cierre de la muestra de arte de 1908, en la que estaba expuesto el beso, es comprado el cuadro por el estado austriaco.

Actualmente el óleo se encuentra en el Österreichische Galerie de Viena.

La granja del doctor Frankenstein

Como el buen turrón, vuelvo a casa por Navidad. Y se nota que debeis estar de fiesta, porque menudo mes de Diciembre más inactivo por los blogvisitantes. Ni se os ve el pelo, payos !!!

Bueno, vuelvo a publicar un post para mostrar mi más absoluta indignación ante un programa que me encontré en Canal+ zappeando hace unos días: La granja del doctor Frankenstein.

El programa resulta ser un documental en el que muestran una granja ficticia llena de animales reales manipulados genéticamente por las sucias manos del hombre. Y me pregunto, ¿Cómo es posible que en pleno siglo XXI existan cadenas de televisión que se ‘autoconsideran’ las más punteras y culturales del panorama televisivo y se dediquen a mostrar programas donde se juega con la vida de los animales? Como todos nosotros sabemos, gracias a muchas organizaciones (defensoras de los animales) cada vez son menos las empresas que investigan utilizando animales, martirizándolos y haciéndolos sufrir. Y encima ahora montan un asqueroso programa en el que se dedican a hacerlo por entretenimiento?? Parece mentira el poco cerebro que tiene el ser humano.

Si no os lo creeis podeis mirar como el mismo canal publica en su propia web: “Vacas con el doble de masa muscular, un super salmón que puede crecer cuatro veces más de su talla normal, gallinas sin una sola pluma, conejos que resplandecen en la oscuridad… es La granja del Dr. Frankenstein. Un documental que reúne en una granja de ficción poblada solamente por plantas y animales que han sido objeto de alguna forma de manipulación genética.Vídeo“

Para colmo, en el vídeo de promoción se nos plantea la pregunta de si es ético o no utilizar a los animales…. pero si ya lo estais haciendo, desgraciados !!! Y encima hablan de cómo el hombre podría manipular genéticamente tanto a los animales, como a las plantas y a los propios seres humanos…. yo alucino !!! El hombre jugando a ser Dios !!!!!

Cada día me da más asco la raza humana.

un charlatán descontrolado

Si hay un actor en la actualidad que puede sorprendernos con la mayor variedad de registros que podamos imaginarnos, ese no es otro más que el gran Robin Williams.

Capaz de hacernos reir, llorar, vibrar, reflexionar y todo lo que a este genio se le pida. Porque si por algo se ha caracterizado la trayectoria de este actor de Chicago es porque tan pronto puedes encontrártelo vestido de payaso, disfrazado de mujer, andrajoso tirado en la calle o con barba de semanas. Si el guión lo requiere, él se transforma.

Son innumerables los éxitos que ha cosechado en la gran pantalla, conviertiéndo alguna de sus películas en referentes del cine; en una de esas películas que siempre te dicen: “y aún no la has visto? si es un peliculón.” Pues así es,

Good Morning, Vietnam, de Barry Levinson

Y quién no ha oído hablar de esta película? Estrenada en el 1988 y ambientada en uno de los temas favoritos del cine de Hollywood, la guerra de Vietnam, narra la historia de un pinchadiscos que es enviado a Saigón, donde una tropa del ejército norteamericano controla la zona, para trabajar en la emisora del ejército. Su estilo agresivo y charlatán, lanzando de tacos e improperios a diestro y siniestro, hará despertar a la tropa. Su manera de hacer radio no es aceptada por alguno de los altos cargos, que intentan sacarlo de allí, ya que el pinchadiscos no está dispuesto a aceptar la censura que los ‘manda mases’ ejercen sobre las noticias.

Una prueba más del potencial de Robin Williams. Cuando muchos críticos ya le colocaban la etiqueta de ‘el típico actor cómico’, éste se reivindicó. En un papel con tintes cómicos y dramáticos, que afortunadamente no sería el último de su carrera, sino el primero de una buena lista de grandes interpretaciones. Como en El club de los poetas muertos, El indomable Will Hunting, o Despertares, por recordar algunos.

Esta es una película que para mí será recordada por una escena memorable, llena de ironía, donde bajo las notas del “What a wonderful World” de Louis Armstrong vemos imágenes que nada tienen que ver con el título de esta canción.

Ahí queda el mensaje.

menudo castañazo

Es lo único que se me ocurre como conclusión de este cúmulo de despropósitos. El intento de  Coppola de hacer una película de época con un toque moderno y original se quedó al final en un film insípido, lento y tostón. Mis peores presagios se cumplieron.

María Antonieta, de Sofía Coppola.

Ya me atraía bien poco ver a Kirsten Dunst con esa cara rancia de pocos amigos interpretando a una princesita de bien. Pero el hecho de ser una película de Sofía Coppola (recordemos su fantástica ‘Lost in Translation‘), la tercera como directora, ya incitaba a verla. Lástima el tiempo perdido.
El film nos cuenta cómo la ingenua María Antonieta, princesa de Austria y prometida del futuro rey de Francia, Luis XVI, es enviada a la corte francesa a la edad de 14 años. En Versalles dispondrá de todos los lujos y excesos al alcance de su mano. La desmesurada vida que lleva en la corte unida a los problemas con su marido, el futuro rey, la llevaron a ser una de las princesas más incomprendidas de Francia.

Tras leer algunas de las críticas que cuelgan por internet está claro que para gustos… colores. Aún no entiendo cómo pueden haber críticos que digan que es una película deslumbrante y estimulante. Sigo diciendo que para mí es un castañazo. Lenta como pocas y totalmente vacía. Además, esas escenas en las que Maria Antonieta está al más puro estilo Pretty Woman con canciones pop-cañeras que no pegan ni con cola, son un tostón. Los hay que dicen que ese ritmo realza la atmósfera. La verdad, no sé qué película debieron ver estos tipos. Este peñazo seguro que no.

regreso al hogar

Ganador de 3 Oscar como mejor director, sus películas han conseguido alrededor de las 40 estatuillas. Con estos números queda claro que las manos de William Wyler son pura magia. Un auténtico genio del séptimo arte. Creador de clásicos del cine como Ben-Hur, Vacaciones en Roma, la Heredera, …. es normal que un film suyo te deje literalmente enganchado a la pantalla, como

Los mejores años de nuestra vida

Ganadora de 8 Oscar, entre ellos los de mejor película, director, actor principal y secundario, y guión, es uno de los clásicos por excelencia. Ambientada tras la segunda guerra mundial narra la historia de como 3 soldados vuelven a su hogar. Comparten vuelo y con él, experiencias. Soldados con vidas totalmente distintas que no saben como afrontar el regreso, ni como los recibirán los suyos. Volver a su antigua vida es difícil, ya que nada será lo mismo, sobretodo para uno de ellos al que le han amputado ambas manos. Las primeras horas de nuevo en família son totalmente diferentes para todos, pero el vínculo que une a los 3 es una escapatoria que les hace sentir ‘como en casa’.

Qué vamos a decir de una película de esta categoría. Una historia sencilla y profunda en la que todos podemos sentirnos identificados. Un reencuentro difícil para aquellos que han pasado años alejados de su hogar y al regresar se dan cuenta de que nada es igual. Todo ha cambiado, aunque sea casi imperceptible, ya que el paso del tiempo nos afecta a todos irremediablemente.

Un fantástico elenco de actores para una maravillosa película que no os podeis perder.

el arte de la improvisación

La otra noche asistimos a una obra de teatro diferente, original e innovadora, en la que el espectador se convierte en una pieza importante, que digo importante, mucho más que eso, en una pieza clave del guión.

Zzaping es un espectáculo de la compañía Planetaimpro que se basa en la idea de la simple improvisación. El espectáculo gira entorno a un concurso de televisión en ‘riguroso’ directo en el que 2 equipos participan por conquistar el zapping de oro. La reglas? los espectadores son los que deciden las pruebas escogiendo las teclas de un gigante mando a distancia. Tras conocerse el tipo de prueba, el título lo pone también el público. Cómo? a través de unas papeletas que reciben junto con la entrada en las que ha de escribir cualquier cosa que se le pase por la cabeza. El resultado, por supuesto, se convierte en una bomba de relojería que nadie sabe por donde estallará. Al finalizar la prueba ambos equipos, es el público una vez más el que decide el equipo que ha sido mejor, alzando unas papeletas de colores.

Óbviamente, con tanto grado de implicación es imposible dormirse. Aún más cuando en algunas de las pruebas los propios actores bajan a actuar entre las butacas e incluso hacen salir a alguno de los espectadores.

Como curiosidad comentar que para fomentar la participación, tras alguna de las teclas del mando a distancia gigante se encuentran premios como camisetas o invitaciones para la obra. A parte de esto, creo que la propia energía de los actores ya es suficiente motivación para el público.

Muy recomendable para pasar una noche de jueves bien divertida.

el timo del siglo

al fin he conseguido tapar otro de esos grandes lunares que tengo en mi trayectoria como cinéfilo. después de muchos años ya he visto esta película:

El golpe, de George Roy Hill

volver a ver en acción a estos 2 monstruos de la interpretación (Newman y Redford) ha sido una auténtica gozada. tras “dos hombres y un destino” vuelven a juntarse, otra vez junto a Roy Hill en la dirección, con una de las películas de más éxito, que se ganó los elogios de toda la crítica y que ha conseguido ser un clásico del cine. con uno de los finales más originales y sorprendentes de la historia del cine fue galardonada con 7 Oscar, entre ellos el de mejor película, y es una de las películas más famosas del séptimo arte.

Hooker (Robert Redford) es un joven timador que se gana la vida robando carteras o timando a cualquiera que se cruce en su camino. un buen día tiene la desgracia de toparse con uno de los mercenarios del mafioso Shaw, el señor del crimen en américa. el mafioso se toma la justicia por su mano y liquida al compañero de Hooker, con lo que éste pretende vengarse. para ello busca la ayuda de un amigo de su amigo asesinado, Gondorff (Paul Newman), un auténtico maestro en el arte del timo. juntos montan un plan para sacarle a Shaw la mayor suma que jamás nadie haya timado antes.

el ritmo y la trama de la película te enganchan, una vez más estos cracks interpretan sus papeles a la perfección (Redford fue nominado a mejor actor) y consiguen sumergirte en una fantástica historia. tras haber visto la anteriormente mencionada “dos hombres y un destino” ya me esperaba una gran película. y vaya si lo es. pero aunque ésta me haya encantado, y a algunos os suene raro, me quedo con la primera.

hagan lo que hagan, ver una película de estos monstruos vale siempre la pena.

el rey ogro

por fin, contentos y esperanzados, acudimos a ver la tercera entrega del ogro más famoso de la historia del cine. el protagonista del “anti-cuento” por naturaleza que tanto maravilló y sorprendió a todos con su primera entrega.

como buen forofo de Shrek que se precie, hacía tiempo que estaba esperando la continuación del cuento del ogro verde (anticipé su estreno el pasado mes de diciembre). tenía ganas de volverlo a ver en acción, a él y a sus amigos, sobretodo Pinocho y el Gato con botas. porque otra cosa no me habrá dado esta original historia, pero minutos de carcajadas os aseguro que sí.

el argumento de esta entrega continúa con el hilo de la historia: Shrek, tras casarse con Fiona, princesa de Muy muy lejano, no contaba con que él sería el sucesor al trono. la salud del rey, tras volver a su aspecto original como sapo, empeora notablemente, con lo que Shrek no tardará en cumplir sus obligaciones como futuro rey. la idea de cambiar su ciénaga por el castillo no es del agrado del ogro, por lo que decide emprender un viaje junto a Asno y Gato con botas para buscar al primo de Fiona, Arturo, el siguiente en la línea de sucesión. la ausencia del ogro la aprovechará Encantador, que reclutará un ejército de villanos de cuentos para hacerse con el trono de Muy muy lejano por la fuerza. Fiona, junto a su madre, deberá responder uniendo a las damas de cuentos para defender el castillo.

cómo mejorarías el mundo?

¿puede una iniciativa de un solo individuo triunfar de tal manera que su expansión provoque un movimiento positivo a escala mundial?

quizás esto solamente pase en las películas, pero sólo la simple idea de que algo así pueda llegar a suceder puede dar vértigo, e incluso un pequeño anhelo de esperanza para el mundo, no es así?

Cadena de favores

el guión de esta película (cuyo título original es ‘paga por adelantado‘) trata sobre la brillante idea que tiene un chico ante la propuesta de su profesor de “qué acción o acto harías para mejorar el mundo?“. qué mejor manera de hacerlo que realizando 3 favores desinteresados a 3 personas, que les haga mejorar la vida de las mismas, sin recibir nada a cambio. con la única condición de que la persona que reciba ese favor, realizará otros 3 más a otras personas sin recibir nada. hacer un favor antes de recibirlo, por así decirlo. esta curiosa cadena se va extendiendo hasta que alcanza a un periodista que, al intentar hallar el principio de la misma, se da cuenta de qué manera se ha expandido.

hacía tiempo que tenía ganas de verla. por curiosidad, vamos, ya que tampoco había escuchado ni buenas críticas ni malas. simplemente indiferencia. tenía esperanzas en ver una buena peli y afortunadamente fue así. quizás el no haber leído ni siquiera el argumento antes de verla me halla ayudado a ello, porque me sorprendió la idea y la encontré muy original.

el famoso niño de El sexto sentido, Haley Joel Osment, vuelve a estar perfecto, una vez más. como siempre. con un papel muy duro interpretando a un niño que esconde el sufrimiento de tener una madre alcohólica, Helen Hunt (que vuelve a estar francamente bien), y un padre que los maltrató y los abandonó. su nuevo profesor,Kevin Spacey (que desde American Beauty ya no es santo de mi devoción y aquí pasa con notable), lo pone a prueba. el niño comienza a entablar amistad con él y éste se acaba convirtiendo en su mejor puerta de escape hacia una vida llena de estabilidad y satisfacción.

una película dura que os hará pensar en cómo conseguir algo mejor.