la bitácora de Vittorio

Uno de los mayores genios de la música debía ser homenajeado en la gran pantalla como tal. Y parece que 8 estatuíllas (incluídas mejor película, director y actor principal) son un homenaje lo suficientemente grande.

Antonio Salieri (F. Murray Abraham), compositor de cámara del Emperador José II de Austria, narra en modo de flashback la increíble historia de Wolfgang Amadeus Mozart (Tom Hulce). Salieri, entregado por completo a su trabajo prometiendo castidad a Dios a cambio de seguir manteniendo sus dotes musicales, disfruta de su privilegiada posición dentro de la capital de la música en esa época. Los logros de un joven prodigioso llamado Mozart llegan a sus oídos, llamando su atención y su admiración… hasta que lo conoce. La decepción de que un personaje tan excéntrico tenga ese talento ‘celestial’ para la música lo desconciertan. A partir de ese momento su vida se convierte en una lucha interior entre el Salieri abrumado por el talento de Mozart, al que considera un elegido de Dios, y el Salieri que se muere por los celos y la envidia de no haber sido dotado de ese talento, y que hará lo imposible por hundirlo.

Hacía mucho tiempo que no tenía el placer de volver a ver esta película. Esta vez, y gracias al regalo de Arantxa, pude disfrutar de ella en su versión más extensa, la del montaje del director, con casi 3 horas de metraje. Y la verdad es que valió la pena. Pudimos disfrutar de unas escenas de ópera maravillosas y una música realmente prodigiosa (resaltar que las piezas musicales creadas por Wolfgang Amadeus Mozart aparecen hasta en un total de 392 trabajos en cine y televisión. Impresionante).

Con un F. Murray colosal interpretando al maestro Salieri, lo que le llevó a conseguir la estatuilla, y con una gran dirección de un poco prolífero Milos Forman (18 películas en 46 años) consiguieron una gran adaptación de la obra del dramaturgo inglés Peter Shaffer, creador de grandes obras adaptadas a la gran pantalla. La manera cómo Murray expresa esa inmensa admiración que Salieri sentía al escuchar la música de Mozart, consumiéndose al mismo tiempo por los celos y la locura de no comprender de donde surgía ese talento musical, es impresionante. Así mismo, el trabajo de un gran Hulce tampoco se queda atrás recreando el talento natural del genio.

Hay una escena que se me quedó grabada desde la primera vez que la vi. En ella podemos ver la curiosa recepción del emperador de Austria a Mozart. Curiosa, como no, gracias a las excentricidades del joven Mozart y a su impresionante talento, ya que con sólo haber escuchado una sola vez la composición de bienvenida del maestro Salieri, es capaz de repetirla perfectamente al piano e improvisando sobre la misma, mejorándola notablemente a cada nota que incluía.

Pero después de volver a verla, he descubierto que el film está repleto de escenas memorables. En una de ellas, vemos como Salieri lee una partitura de Mozart emocionándose a cada nota que va leyendo, reconociendo que esa música no podía escribirse por casualidad, o por error. Otra escena inolvidable es cuando la mujer de Wolfgang se presenta en casa de Salieri con las partituras originales, y como el compositor de cámara comprueba perplejo que no hay ni una sola corrección en ninguna de ellas. Por último quiero recordar otra escena, mostrada únicamente en la versión del montaje del director, en la que un enfermo Mozart va dictando sobre la marcha y a toda prisa la ópera que solo existe en su cabeza. Además, el director juega maravillosamente con las notas musicales mientras los personajes describen lo escrito en la partitura.

Para los amantes de la ópera y del arte de la música por encima de todo, este film es absolutamente indispensable. Para mí, una auténtica obra maestra del séptimo arte.

Aprovechando que la última recomendación musical de Arantxa me ha recordado una de las mejores películas que he visto, he pensado que era el mejor momento de recomendarla.

Philadelphia, de Jonathan Demme

Además, la escena que Arantxa nos enseñó es una de las mejores de la película (una pequeña muestra de lo que este grandísimo film puede ofrecernos). En ella, se mezclan un torbellino de sentimientos por parte de ambos protagonistas. Como la desgarradora emoción, pasión y rabia que siente Andrew Beckett (interpretado de manera magistral Tom Hanks) al escuchar y narrar la ‘mamma morta‘, mientras le observa su abogado, Joe Miller (gran trabajo de Denzel Washington) con una mezcla de asombro y respeto.

Este film narra la historia de Andrew Beckett (Hanks), un joven y prometedor abogado que trabaja en uno de los bufetes más prestigiosos de Philadelphia. Un día descubre que ha contraído el virus del sida. Mientras lucha contra la enfermedad mantiene su dedicación al trabajo, al tiempo que intenta esconder las marcas que el virus muestra a través de su piel. Al poco tiempo, sus jefes descubren los motivos de dichas marcas, y tras una extraña sucesión de errores en uno de los casos más importantes que lleva el joven abogado, es despedido. Al tener la sospecha de haber sido despedido a causa de su enfermedad, decide demandar al bufete. En la búsqueda de un abogado que lo defienda, sólo encuentra puertas cerradas ante su condición de homosexual y de enfermo de sida; hasta convencer a Joe Miller (Washington).

Philadelphia nos muestra la cara más cruel del ser humano. Aquella que discrimina a otro ser por el simple hecho de ser algo diferente. Ya sea diferente raza, cultura, sexualidad, condición religiosa, o cualquier otra cosa que se pase por la cabeza. Porque si algo demuestra el ser humano en estas situaciones, es sobretodo crueldad.

Con la mezcla de la magistral dirección de Demme (El silencio de los corderos), la impresionante interpretación de Tom Hanks (recibió su primer Oscar), la solvencia absoluta de Denzel Washington y una soberbia banda sonora (Oscar a la tremenda ‘Streets of Philadelphia‘), sólo podemos obtener una obra indispensable. Además, cargada con un alto contenido de crítica social.

Personalmente, es una de las películas que considero que todo el mundo debería ver. Por su contenido, su tono, sus interpretaciones y su crítica social. Me gustaría resaltar la escena final de la película. Óbviamente no la explicaré, pero la música y la recreación del ambiente jovial que reina en la sala me dejó un profundo sentimiento de nostalgia. Es una de esas escenas que guardo con cariño de entre las películas que he visto.

Este mes he decidido recomendar una película diferente, una película sobretodo original y atrevida. Porque si algo me sorprendió de esta película no fue su historia, sino la manera de contarla.

Memento, de Christopher Nolan

Leonard (Guy Pearce) tiene un grave problema en su cerebro. Tras recibir un golpe en la cabeza al intentar evitar el asesinato de su mujer, su memoria es incapaz de retener nuevos recuerdos. Todos los hechos que vive a partir de ese momento sólo es capaz de mantenerlos en su memoria unos pocos minutos. En esas condiciones, intentará vengar el asesinato de su mujer, utilizando para ello una cámara de fotos instantánea y tatuándose en el cuerpo cualquier dato importante que le ayude a encontrar al asesino.

Cuando ví esta película fue una de las que más me sorprendió. El guión es tremendamente original, pero la dirección es asombrosa. Nolan decide mostrar la historia de una manera totalmente inusual: hacia atrás en el tiempo. Y es la mejor manera de darte cuenta de lo que siente el protagonista. Cada escena es una sorpresa, es una trampa. Cada personaje que aparece engaña al protagonista. Y no sólo a él, sino también al espectador. A cada cambio de escena te sientes engañado. Y eso es maravilloso.

El film fue una de las sorpresas del 2000 recibiendo 2 nominaciones a los Oscar. Con una gran actuación de Pearce , también podemos ver en este film a una descuidada Carrie-Anne Moss en un papel diferente.

Para que os hagais una idea, en imdb.com (la gran base de datos cinéfila de internet) tiene un 8.6 de media de más de 171.000 votos. Justo por encima de películas como The Matrix, Taxi Driver o Apocalypse Now. No es casualidad, os lo aseguro.

Este mes, y para acabar el año, voy a tomarme dos licencias: la primera es recomendar una película que acabo de ver en cine antes de hacer su crítica (y que, por lo tanto, aún no tengo en DVD), y la segunda es recomendar por primera vez una película espanyola.

El Orfanato, de Juan Antonio Bayona

Como suele pasar, el ojo clínico de Guillermo del Toro no suele fallar, y tras leer el guión y conocer al director no dudó en apadrinar el proyecto convirtiéndose en su productor, y eso que era el debut en la dirección de Bayona.

Después de muchos años, Laura (Belén Rueda) regresa, junto a su marido (Fernando Cayo) y a su hijo, al orfanato en el que se crió de niña y que ahora se encuentra abandonado, con el fin de crear una residencia para niños discapacitados. La casa empieza a afectar al comportamiento de su hijo, que se deja llevar por unos amigos imaginarios, y los recuerdos vuelven a la memoria de Laura, que cada vez se inquieta más y más con la situación. Todo cambia con la desaparición del niño. El universo de Laura se tambalea poniendo en duda todo en lo que cree y comenzando a indagar en el pasado.

La película gira totalmente en torno a Belén, que está soberbia, y a sus recuerdos de niñez. Desde que la actriz madrileña decidió dar el salto a la gran pantalla, todas sus decisiones, pocas hasta la fecha, han sido grandes aciertos (no olvidemos su papel en Mar Adentro) y esta película vuelve a serlo. Por otro lado, no parece en absoluto un debut en la dirección, ya que el pulso y tensión del film se mantiene intacto durante toda la cinta, demostrando, como ya hizo en su día Amenábar con Los Otros, que en películas de terror suele funcionar mejor lo que se esconde que lo que se muestra en pantalla. La agonía es más duradera, dejándote contínuamente en una tensa espera.

De las cosas que más me han sorprendido han sido su fantástico guión y ambientación. La casa no solamente es perfecta para el film, sino que también está muy bien aprovechada en todas las escenas. Y hablando de escenas, me gustaría resaltar un par por encima de las demás: la primera, la escena de la sesión de espiritismo de la medium, con cámaras en blanco y negro y un sonido vía radio-frecuencia que ponía los pelos de punta; y la segunda, cuando Laura, ya sola en la casa, juega al ‘pica la pared’ esperando que aparezca alguien a sus espaldas.

Para mí, es sin duda una de las mejores películas espanyolas hasta la fecha.

Unas Navidades más nuestro videoclub se ha visto engrosado por una buena cantidad de nuevos films: 11 en total (menuda coincidencia, los mismos que las navidades pasadas).

Empezando por grandes clásicos del séptimo arte, como Psicosis, Habitación con vistas y Mujercitas; pasando por films que saltaron a la fama por su originalidad, como Billy Elliot y Las aventuras de Priscilla, reina del desierto; siguiendo con la llegada de auténticas obras maestras, como son Platoon y Pulp Fiction; para acabar con 4 títulos más actuales, como En la cuerda floja, En busca de la felicidad, Una canción del pasado y Babel.

La verdad es que para mí siempre es una alegría recibir nuevas películas. Sobretodo si algunas las considero imprescindibles en nuestro videoclub particular. Con estas últimas incorporaciones hemos alcanzado los 392 films. Ahí es nada.

Bueno, Feliz Navidad y a disfrutar del cine.

Como ya os comenté en el post de Infiltrados, el mundo de la mafia es uno de mis géneros de cine favoritos. Por eso este mes he decidido recomendar la película que para mí es la auténtica obra maestra del género.

Casino, de Martin Scorsese

Con un reparto impresionante, un guión exquisito y una dirección perfecta, esta película se ha convertido en una de las indispensables del género. Y es que teniendo a Scorsese tras la cámara dirigiendo a actores de la talla de Robert de Niro, Sharon Stone, Joe Pesci, James Woods y un gran repertorio de caras conocidas en películas mafiosas, era de preveer que algo grande iba a suceder.

En Las Vegas, década de los 70, los grandes jefes de la mafia controlan el negocio de los casinos. No corren buenos tiempos y los capos deciden poner a Sam “Ace” Rothstein (de Niro), un corredor de apuestas profesional que ya les hacía ganar mucho dinero, como director del casino Tangiers, uno de los más importantes de la ciudad. Ace deberá encargarse así de vigilar a los tramposos y de que siga fluyendo la corriente de dinero que va a parar a manos de los grandes jefes, pero allí encontrará a Ginger (Stone), una buscavidas de la que se enamorará perdidamente. Los jefes no acaban de estar tranquilos y deciden mandar a Nicky Santoro (Pesci), un viejo amigo de Ace, para cubrirle las espaldas. La ciudad es un hervidero de millonarios, ladrones, estafadores y manotes; y junto con las drogas hacen que Nicky y Ginger se descontrolen. Esto, unido a los problemas entre Ace y Ginger hacen peligrar tanto el negocio, dejando al descubierto trapos sucios de la organización, como sus propias vidas.

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Pasión, miedo, ternura, odio, atracción y terror… estos sentimientos, totalmente opuestos, son los que siempre ha provocado un personaje tan misterioso y fascinante como el conde Drácula.

Drácula (de Bram Stoker), de Francis Ford Coppola

El conde Drácula ha sido, y aún es, uno de los personajes más fascinantes del siglo XIX. Creado por el escritor irlandés Bram Stoker, se cree que se basó en la figura del príncipe Vlad Tepes (el empalador), personaje del siglo XV que vivió en Transilvania. Conocido por haber sido el gobernante más temido en la Europa oriental por su carácter brutal y sanguinario, hijo de Vlad Dracul, y conocido por la crueldad con la que trataba a sus enemigos, a los que empalaba.

La historia del film nos lleva a la edad media, en Transilvania, cuando durante la guerra un soldado pierde a su amada. Desesperado y contrariado por no haber sido protegida por su dios vende su alma al diablo, convirtiéndose en vampiro. Cuatro siglos más tarde, ya como conde Drácula (Gary Oldman), continúa buscando la reencarnación de su amor, Elisabeta (Winona Ryder). Su búsqueda dará sus frutos al recibir la visita de un abodago de Londres, Jonathan Harker (Keanu Reeves), del que descubrirá que es el prometido de Mina Murray, la reencarnación de Elisabeta. Desde ese momento trazará un plan para retener a Harker y viajar a Londres en busca de su amada. Ya en Inglaterra extenderá un manto de seducción y terror tratando de recuperar el amor que hace tantos años le fue negado.

Este film es una de mis grandes predilecciones. Y eso que no soy fan del cine de terror, pero la ambientación, la música, la intensidad de las escenas y de sus personajes me maravilló. También es cierto que el tema vampírico siempre me ha gustado mucho, pero en este caso poco tiene que ver. Resaltar de la cinta la impresionante interpretación de Gary Oldman como el conde Drácula, la mejor de su carrera. También Anthony Hopkins, como suele ser habitual en él, está soberbio como el profesor Van Helsing. Una película de una calidad indiscutible, normal viniendo del gran Francis Ford Coppola, con una fotografía espectacular y una fantástica banda sonora.

Para mí, una auténtica obra maestra indispensable del cine de terror.

Si hay un actor en la actualidad que puede sorprendernos con la mayor variedad de registros que podamos imaginarnos, ese no es otro más que el gran Robin Williams.

Capaz de hacernos reir, llorar, vibrar, reflexionar y todo lo que a este genio se le pida. Porque si por algo se ha caracterizado la trayectoria de este actor de Chicago es porque tan pronto puedes encontrártelo vestido de payaso, disfrazado de mujer, andrajoso tirado en la calle o con barba de semanas. Si el guión lo requiere, él se transforma.

Son innumerables los éxitos que ha cosechado en la gran pantalla, conviertiéndo alguna de sus películas en referentes del cine; en una de esas películas que siempre te dicen: “y aún no la has visto? si es un peliculón.” Pues así es,

Good Morning, Vietnam, de Barry Levinson

Y quién no ha oído hablar de esta película? Estrenada en el 1988 y ambientada en uno de los temas favoritos del cine de Hollywood, la guerra de Vietnam, narra la historia de un pinchadiscos que es enviado a Saigón, donde una tropa del ejército norteamericano controla la zona, para trabajar en la emisora del ejército. Su estilo agresivo y charlatán, lanzando de tacos e improperios a diestro y siniestro, hará despertar a la tropa. Su manera de hacer radio no es aceptada por alguno de los altos cargos, que intentan sacarlo de allí, ya que el pinchadiscos no está dispuesto a aceptar la censura que los ‘manda mases’ ejercen sobre las noticias.

Una prueba más del potencial de Robin Williams. Cuando muchos críticos ya le colocaban la etiqueta de ‘el típico actor cómico’, éste se reivindicó. En un papel con tintes cómicos y dramáticos, que afortunadamente no sería el último de su carrera, sino el primero de una buena lista de grandes interpretaciones. Como en El club de los poetas muertos, El indomable Will Hunting, o Despertares, por recordar algunos.

Esta es una película que para mí será recordada por una escena memorable, llena de ironía, donde bajo las notas del “What a wonderful World” de Louis Armstrong vemos imágenes que nada tienen que ver con el título de esta canción.

Ahí queda el mensaje.

Es lo único que se me ocurre como conclusión de este cúmulo de despropósitos. El intento de  Coppola de hacer una película de época con un toque moderno y original se quedó al final en un film insípido, lento y tostón. Mis peores presagios se cumplieron.

María Antonieta, de Sofía Coppola.

Ya me atraía bien poco ver a Kirsten Dunst con esa cara rancia de pocos amigos interpretando a una princesita de bien. Pero el hecho de ser una película de Sofía Coppola (recordemos su fantástica ‘Lost in Translation‘), la tercera como directora, ya incitaba a verla. Lástima el tiempo perdido.
El film nos cuenta cómo la ingenua María Antonieta, princesa de Austria y prometida del futuro rey de Francia, Luis XVI, es enviada a la corte francesa a la edad de 14 años. En Versalles dispondrá de todos los lujos y excesos al alcance de su mano. La desmesurada vida que lleva en la corte unida a los problemas con su marido, el futuro rey, la llevaron a ser una de las princesas más incomprendidas de Francia.

Tras leer algunas de las críticas que cuelgan por internet está claro que para gustos… colores. Aún no entiendo cómo pueden haber críticos que digan que es una película deslumbrante y estimulante. Sigo diciendo que para mí es un castañazo. Lenta como pocas y totalmente vacía. Además, esas escenas en las que Maria Antonieta está al más puro estilo Pretty Woman con canciones pop-cañeras que no pegan ni con cola, son un tostón. Los hay que dicen que ese ritmo realza la atmósfera. La verdad, no sé qué película debieron ver estos tipos. Este peñazo seguro que no.

Pocas veces alguien ha alzado la voz tan alto y claro de lo que lo hizo uno de los más grandes del cine. Más bien, al menos para mí, el más grande por encima de todos, sir Charlie Chaplin.

Crecí viendo de tanto en tanto alguno de esos maravillosos cortos que rodó. Sin duda, nadie como él me ha hecho reir tanto. Y eso para mí es mucho decir, ya que precisamente no tengo a la comedia como un género de mi predilección. Las carreras, los tortazos, los golpes, las caídas, los tartazos, … han sido los momentos más desternillantes de los que he disfrutado en toda mi vida como cinéfilo.

Durante más de 20 años, Chaplin se dedicó a rodar cortos de cine mudo. La tecnología iba progresando y él se negaba a adaptarse al avance de la industria del cine. Lo que antes le hizo grande, debería seguir sirviéndole. Según sus propias palabras, si Charlot hubiese comenzado a hablar, habría sido el fin del personaje. Pero como siempre pasa, todo tiene su fin.

El cine de Chaplin siempre ha tenido un contenido con una dura crítica social. Y en USA, su hogar de adopción, nunca lo llegaron a entender. Durante años fue maltratado por la prensa, pero su éxito era tan grande que jamás pudieron hacerlo callar.

El gran dictador es la culminación de un auténtico genio. La película es una extraordinaria parodia de la Alemania nazi de Hitler. El genio de Chaplin se pone al servicio de la humanidad en un despliegue asombroso de visión histórica. Lo que él rodó, sin tener noticia alguna de lo que el régimen nazi estaba haciendo (el rodaje comenzó la misma semana en que lo hizo la Segunda guerra mundial), se ajustó a la realidad de una manera extramadamente real. Tanto es así que cuando el mundo conoció el alcance de los hechos, Chaplin declaró que de haberlo sabido antes, jamás lo hubiera rodado. La recreación de la vida en los ghettos y los campos de concentración es asombrosa, y eso que era imposible saber qué estaba pasando. El estreno fue en 1940, un año después de comenzar la guerra.

La historia del film nos narra como un humilde barbero judío del ejército de Tomania pierde la memoria en la guerra, pasando 20 años en un hospital. Cuando sale, el país ha cambiado mucho. Gobernado por el dictador Hynkel (parodia de Hitler con quién tenía un gran parecido) se discrimina brutalmente a los judíos. El dictador decide atacar el país vecino, pero antes de ello se reune con Napaloni (parodia impresionante de Musolini) para que éste no se entrometa. El barbero es llevado a un campo de concentración y al escapar de éste es confundido con el dictador, con quién tiene un asombroso parecido.

Con el paso del tiempo, el film se ha convertido en una obra maestra. Un clásico del séptimo arte. Y no es para menos. Seguro que recordareis todos esa famosa escena del dictador jugando con el globo del mundo. Esta fue la primera película en la que Chaplin habló. Y vaya si habló. La extraordinaria facilidad que tenía para fingir que habla un idioma es increíble. Así, los discursos de Hynkel son estrambóticos y totalmente creíbles. En el final del film, el barbero lanza un profundo discurso donde expresa sus deseos de paz y libertad en el mundo.

Una auténtica maravilla del cine. Indispensable.